Ludovico Einaudi, casi perfecto

 

Ludovico Einaudi. Gira “Underwater”, Plaza del Centro Niemeyer, Avilés, 26 de julio de 2023.

Veinte años hacía que Ludovico Einaudi no se sentaba a escribir un álbum para piano solo y la soledad del confinamiento fue la mejor excusa para que brotaran las ideas. De ahí surgió “Underwater”, con doce piezas fácilmente identificables con su estilo personal y algunos cortes de gran belleza. 

Y después de varios meses de gira llegó a Asturias a un escenario, a priori, ideal: la preciosa plaza del Centro Niemeyer en una noche con gran fortuna climática y una temperatura fantástica. Desde el aspecto visual y emocional el lugar no podía ser más romántico, pero en cuestiones de acústica no resultó tan satisfactorio como era de esperar, porque el sonido se expandía en exceso y quedaba escaso. De hecho, por momentos se oía más el ruido de la autopista cercana que las tibias notas del piano. Yo estaba cerca del escenario y así lo percibí, así que no quiero imaginarme cómo lo escuchaban los de las últimas filas entre 3000 butacas. Mala previsión en la distribución de la amplificación, porque para escuchar un concierto de este tipo necesitas que el sonido te envuelva y te llene.  

Al margen del sonido la interpretación resultó exquisita. Einaudi toca en directo igual que lo hace en la grabación. No hay ni una nota fuera, ni una tecla mal ejecutada, amén de la buena interpretación de sus acompañantes, Federico Mecozzi (violín), Redi Hasa (violoncello) y Francesco Arcuri (percusión). Esas sonoridades oníricas y a veces chirriantes que salen del chelo y el violín contrastan con la frialdad y la dulzura del piano y forman una amalgama de timbres que hacen del estilo de Ludovico único. 

Y después de escuchar “Underwater” y varios éxitos como “Una mattina”, “Nuvole Bianche” y “Divenire” el amable público le rindió una sonora ovación durante varios minutos, cerrando así una noche que podría haber sido perfecta. 

Crítica publicada en La Nueva España 

 

Gira “Sin Riendas 2023”, Festival Gijón Life. Parque de los Hermanos Castro, Gijón, 15 de julio. 

Kutxi Romero es el Sabina del rock español. Su voz es tan patética como la del cantautor de Úbeda. No afina, no vocaliza, ni siquiera es guapo y su ronquera se intensifica aún más en cada nueva gira al frente de “Marea”, sin embargo, escuchar sus canciones en directo es un placer. Sus letras son redondas y sus composiciones están muy bien hechas. No son macarradas improvisadas. 

El concierto de “Marea”,una de las bandas de rock más reconocidas del país, era uno de los más esperados de la temporada. La gira “Sin riendas”, para presentar parte de “Los potros del tiempo”, junto con viejas canciones que ya son historia del rock, prometía y no defraudó. Después de la breve actuación de “Bocanada” como teloneros, miles de asistentes se arremolinaron frente al escenario para cantar viejos temas como “Mierda y cuchara”, “Esa puta soledad”, “El perro verde” o “La luna me sabe a poco” y también algunos nuevos que ya se los saben, como “Otra cicatriz” o “Buena muerte”, esta última single del nuevo trabajo. 

Veintiséis temas sonaron de principio a fin con un  sonido limpio y potente, sin ninguna pega. El técnico de sonido se lució. Claro que “Marea” no es solo Kutxi Romero con su desparpajo y sus grandes composiciones, también el bajista Edu Beaumont “Piñas”, el batería Alén Ayerdi y los guitarras César Ramallo y David Díaz “Kolibrí”: si uno es bueno el otro es igual o mejor. Y así disfrutamos de un concierto generoso de más de dos horas y se convirtió en uno de los mejores del año. 

Crítica publicada en La Nueva España

Carmen Linares, un premio muy merecido.

Carmen Linares “40 años de flamenco”. Teatro Jovellanos, viernes, 8 de julio de 2023. 

 Linares es el pueblo jienense que vio nacer a la cantaora Carmen Pacheco, con varios premios de gran prestigio a lo largo de sus 40 años de trayectoria llevando el flamenco por todos los rincones, sin embargo, el “Premio Princesa de Asturias de las Artes 2022” es el más especial y el que lleva con todo el orgullo y el cariño. Así lo manifestó la cantaora en su cita en Gijón, que fue recibida con una butaca prácticamente llena. 

 Acompañada por dos guitarristas, pianista, dos coristas y una bailaora, la elegancia, la finura y el saber hacer de una artista que vive el flamenco de manera natural se evidenció en las tablas del escenario, con un repertorio oscilando entre tangos, alegrías, seguiriyas, bulerías o fandangos, cantando versos de poetas como Lorca, Alberti, Miguel Hernández y Juan Ramón Jiménez. Todo un catálogo que certifica la gran cultura que posee la artista. 

 Muchos detalles se pueden destacar de la actuación en el Jovellanos, comenzando por el pianista, pues no es frecuente ver ese despliegue de armonías en el flamenco: ya pellizcó desde el primer tango y patentizó su talento en “La leyenda del tiempo”, con la voz de Linares espléndida. La bailaora Vanesa Aibar también impactó sobremanera con sus taconeos y sus dificilísimos movimientos de bata de cola. Qué arte tiene esa chica. En definitiva, aunque el flamenco es un arte de minorías el espectáculo que presenta Carmen Linares tiene una fuerza y una belleza que atrapa. Linares es una grande y el premio es muy merecido.

Crítica publicada en La Nueva España 

Camela se merece muchos premios

 

Camela, “Tour Que la música te acompañe”. Festival Metrópoli, Recinto Ferial Luis Adaro, martes, 4 de julio, 2023.

Hoy por hoy Camela es, quizás, el único grupo musical español capaz de reunir en un mismo concierto a niños, jóvenes, medianos, ancianos, chonis, pijos, elitistas, intelectuales, aristócratas, clases medias, trabajadores, blancos, negros, gitanos, latinos...todos y todas con caras de felicidad y unas ganas locas de cantar a grito pelado aquello de “Sueño contigo, qué me has dado, sin tu cariño no me habría enamorado”. Ni en sus más fantasiosos sueños se podía imaginar ese dúo de cuñados, con ese sonido peculiar techno-rumba de melodías pop aflamencadas, que pudieran llegar a convertirse en todo un fenómeno social que arrasa y crece aún más casi tres décadas después de sus humildes inicios.

El escenario del Metrópoli se convirtió en el lugar de encuentro de toda esa multiculturalidad social para cantarle al amor, al desamor, a la tristeza, a la alegría y a las ganas de pasárselo bien. El concierto se convirtió en una auténtica fiesta donde los malos rollos se dejaban fuera del recinto, salvo si intentabas cruzar entre la multitud para acercarte un poco más al escenario. El sitio que cada uno había logrado alcanzar tras mucho tiempo de espera era sagrado y se defendía con uñas y dientes. He sido testigo. 

Y uno tras otro sonaron los éxitos de Camela y todos al unísono cantamos a nuestros colegas frases como “Escúchame, compréndelo, es imposible nuestro amor” y acabamos exclamando “Cuando zarpa el amor”, coreografía de brazo incluida. 

Y con todo ese éxito y esa pasión que levanta el dúo madrileño siguen sin ser reconocidos y siguen sin ser premiados como se merecen. Por ir a lo fácil, abran Wikipedia y verán sus logros: un solo Premio Odeón en España (2020) y un premio en Puerto Rico (2007). Y se acabó. No hay más. Sinceramente, a mí me parece una vergüenza que no se les haya concedido un premio de más categoría. Espero que se aparque tanto esnobismo y lleguen pronto muchos y más que merecidos premios. Porque el sonido de Camela es único.

Crítica publicada en La Nueva España

Mago de Oz en Metrópoli

 

Mago de Oz “Hasta que el cuerpo aguante Tour 2023”. Festival Metrópoli, Recinto ferial Luis Adaro, domingo, 2 de julio. 

Pocos baterías han liderado bandas que hayan conseguido perdurar en el tiempo, pero el carisma y las ideas de Txus di Felatio ha llevado a “Mago de Oz” a celebrar su 35º Aniversario con una larga gira recién empezada que recorre España y distintos países de América. No es fácil sobrevivir con tanto vaivén de integrantes y, sobre todo, con tantos cambios vocales sin saber quién será el protagonista del próximo disco de la banda. Esto ha provocado que se les compare a menudo con orquestas de bolos, sin embargo, ahí siguen. Además,  uno de los méritos de “Mago de Oz” es haber logrado tener una identidad propia que está a  tres cuartos de camino entre el rock y el folk, porque del folk extraen las melodías de flauta y los toques de violín y el resto pura caña con las distorsiones y el doble bombo a todo trapo. 

El repertorio de la gira “Hasta que el cuerpo aguante” es un repaso por los temas cumbre de la banda en su larga trayectoria, temas que sonaron en el Festival Metrópoli para un público con ansias de rock, pues son malos tiempos para el género. Destacaron los solos de guitarra y temas como “Finis Terra”, “Jesús de Chamberí” o “Molinos de viento”.  Las voces protagonistas estuvieron sublimes en las partes potentes y faltos de buena dicción en las estrofas más fáciles. Con las letras tan bonitas que tienen algunas canciones, me pregunto por qué no se molestan más en vocalizar mejor.

Y todo terminó con la eterna “Fiesta pagana”, dando un soplo de energía a los aficionados al rock ahora que el reggaeton ha tocado techo y empieza a decaer. Todavía hay esperanzas.

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Estreno absoluto de "Cantarinos de mi Asturias"

 “Cantarinos de mi Asturias”, Oviedo Filarmonía, Rubén Díez (director), Coro de la Fundación Princesa de Asturias, María Zapata (soprano), Serena Pérez (mezzosoprano), Juan Noval (tenor), Jorge Trillo (barítono-bajo). Sociedad Filarmónica de Gijón. Teatro Jovellanos, viernes 9 de junio de 2023. 

Finaliza la temporada de la Sociedad Filarmónica de Gijón en colaboración con el Teatro Jovellanos con un concierto ambicioso, sin escatimar medios y llevando a cabo el estreno absoluto de una obra coral sinfónica del asturiano Fernando Menéndez Viejo. Rubén Díez se encargó de dirigir a la Oviedo Filarmonía, al Coro de la Fundación y a los cantantes solistas en una interpretación de tres obras vinculadas a Asturias. 

Abrió el “Capricho español” de Rimsky-Kórsakov y sorprende que sea un ruso quien compone la primera obra sinfónica sobre temas de temática asturiana. La obra es preciosa y si está bien dirigida y bien interpretada, como fue el caso, solo hay que disfrutar. 

Mayor disfrute fue la breve pieza “Escenas asturianas”, de Benito Lauret. Injustamente poco interpretada a pesar de tener una construcción exquisita, pues consigue aunar danzas y cantares asturianos con una policromía tímbrica y unos contrastes magistralmente orquestados que emocionan al más sordo de la sala. 

El esperado estreno de la fantasía coral “Cantarinos de mi Asturias” no defraudó. Si bien la partitura estaba en el último proceso de revisión cuando Menéndez Viejo falleció (2021), la obra es una culminación a toda una vida dedicada a la música. Escrita en cuatro movimientos para cuatro cantantes, gaita, coro y orquesta (casi nada), la obra vivió momentos sublimes bajo la batuta de Díez, que fueron recogidos en una grabación profesional para posterior deleite. Destacan las intervenciones de la soprano María Zapata en la “Añada” y la aparición del gaitero José Luis García en “Cumbres”, pues sus floreos impactaron. 

Y como cierre de temporada todo el teatro lleno, en pie, cantando “Asturias patria querida” a viva voz. Muy emocionante.  

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Despedida de la temporada de la OSPA con Chen Reiss

 

OSPA, Nuno Coelho (director), Chen Reiss (soprano), Teatro Jovellanos, jueves 8 de junio de 2023. 

Despedida de la temporada de abono de la OSPA con un programa contemporáneo arriesgado y con muy poco público, una vez más.

Abrió el concierto “Hímnica” una pieza del valenciano  Francisco Coll, compositor afortunado como pocos en la actualidad, ya que a sus treinta y cinco años cuenta con numerosos estrenos para diversas formaciones. “Hímnica” es una pieza por momentos sobrecogedora y angustiosa, con pasajes de gran belleza,  aunque su sonoridad no es nada nueva, pues el cine de ciencia ficción está lleno de piezas de este tipo.

Las “Siete canciones tempranas” de Alban Berg, compuesta con tan solo veinte años, es una obra de gran creatividad que requiere pulso firme y comprensión del periodo postromanticismo para poder sacar toda esa sutileza que contiene. Ahí estaba la batuta de Nuno Coelho para dominar la situación. Claro que facilitó la labor poder contar nada menos  que con la soprano israelí Chen Reiss. Las siete canciones fueron de gran intensidad, destacando la cuarta, “El ruiseñor”, donde Reiss lució un bellísimo timbre, jugando con los matices y controlando el aire de manera portentosa. ¡Qué finura! ¡Qué elegancia! ¡Qué fiato!

 

Para terminar se recurrió a la gran “Titán” de Mahler. Coelho conectó con los músicos y ofreció una versión que transmitía seguridad e intensidad, sobre todo en los finales de los cinco movimientos sinfónicos rematados con precisión milimétrica. Y no es fácil. 

Programa de ejecución perfecta en su totalidad, claro que con poco público como es habitual en los conciertos de la OSPA que no se recurre a repertorio decimonónico. Y si no suscita interés del público en general ¿Corre peligro en un futuro el auspicio de este bien cultural de la provincia? Esperemos que no. La temporada que viene promete.

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La OSPA estrena “Leonora’s dream”

 

OSPA, Anna Rakitina (directora), Elena Langer (compositora), Alena Baeva (violín). Teatro Jovellanos, miércoles 25 de mayo de 2023. 

Los asistentes al penúltimo concierto de abono de la OSPA tuvimos el privilegio de presenciar el estreno de una magnífica obra en territorio europeo: “Leonora’s dream”, pieza orquestal corta que escribió la compositora Elena Langer inspirada en la ópera “Fidelio”, de Beethoven. Interesante composición que juega con los timbres de sonoridad aguda a modo de coro de pájaros cantores y ofrece toda una amalgama de recursos, por momentos difíciles de ejecutar y bien solventados. Elena Langer, presente en la sala, se sintió recompensada, tanto por la interpretación de la OSPA, bajo la batuta de la rusa Anna Rakitina, como por los aplausos recibidos, a pesar de la poca asistencia de público. Quizás tuviera que ver que la web del teatro no se actualizó y el programa pasó desapercibido. Cosas que pasan. 

Después del estreno contamos con la presencia de la violinista Alena Baeva, interpretando el “Concierto para violín nº 1” de Prokofiev. Obra bastante ambiciosa, de hecho al propio Prokofiev le costó encontrar un violinista para su estreno capaz de afrontar todas las complicaciones técnicas. Baeva las superó con creces, ofreciendo un precioso y potente sonido generado por el Guarneri del Gesú construido en 1738, imponiéndose por encima de toda la orquesta cuando era necesario y adaptándose al reto mayúsculo que supone la interpretación. 

  

Para finalizar, la directora rusa Anna Rakitina mantuvo el pulso firme con gestos clásicos al frente de la OSPA, extrayendo todos los temas que marcan el carácter de esta gran obra, la “Sinfonía nº 5”, también de Prokofiev. Programa de gran calado con innovación y maestría que merecía más visibilidad. 

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Sofía Esparza y Rinaldo Zhok: Canciones para una reina

 

Sofía Esparza (soprano) y Rinaldo Zhok (piano). Sociedad Filarmónica de Gijón, Teatro Jovellanos, miércoles, 24 de mayo de 2023. 

Rescatar tesoros desconocidos de los compositores Arrieta y Gaztambide era el objetivo del recital ofrecido por la soprano navarra Sofía Esparza y el pianista italiano Rinaldo Zhok, bajo el nombre “Canciones para una reina”. El elegante belcantismo de Esparza, brillando en agudos y luciéndose en expresividad, contribuyó a elevar partituras como las seguidillas “Los ojos de las niñas”, la destacada alhambrista ¡Pobre Granada! o  la canción italiana  “L’addio di Eleonora a Torquato”. Magnífica interpretación, luciéndose aún más en las romanzas ofrecidas de Gaztambide. 

Por su parte, el pianista Rinaldo Zhok estuvo eficaz acompañando las piezas de lucimiento de la soprano y demostró su capacidad de concertista cuando se quedó solo para interpretar una obra del salmantino -también desconocido- Sánchez Allú, la “Gran Fantasía sobre Ildegonda de Emilio Arrieta”. Impresionante, dificilísima, cambiante, bella, emocionante… me quedo corta con los calificativos para describir esta gran obra que fluía en las manos de Zhok. Aún no está grabada y se ha rescatado de manuscritos encontrados. Solo espero que alguien ponga remedio a este olvido de nuestro patrimonio, se grabe como es debido y se incorpore al repertorio de los recitales de piano cuanto antes. 

También, inspirado en la “Marina” de Arrieta, Dámaso Zabala escribió una composición pianística que Zhok interpretó como solista, demostrando una vez más su calidad. Fue muy aplaudido. 

En definitiva, un concierto cuyo objetivo está más que justificado y que demuestra una vez más que en cuestiones de patrimonio todavía queda muchísimo por hacer, aunque iniciativas como esta y con tanta calidad, acortan el camino hasta lograr valorar lo nuestro. Porque es de todos.

Andrés Suárez y su "Viaje de vida y vuelta"

 

Andrés Suárez, Teatro Jovellanos, viernes, 19 de mayo de 2023. 

Últimamente las citas de Andrés Suárez con el público asturiano sufren alguna cancelación o retraso por una u otra causa. El caso es que llegó al Jovellanos para casi iniciar la gira de su disco más alegre, porque está tan cansado de tristezas que ya no escribe letras ni para su ex, según dice Suárez. “Viaje de vida y vuelta” o “Triple V” como le gusta llamarlo, es su último trabajo, un disco que reivindica la vida, el amor y el entusiasmo, con pocas concesiones a la nostalgia. Algo que agradecemos.

Escuchamos algunos temas bastante interesantes como “Herbeira”, un canto de amor a su tierra gallega, junto con “Números cardinales” o la inspirada en el amor entre sus padres “Teresa y Andrés”. Una de las mejores composiciones es “Pienso en tí”, dedicada al año catastrófico y en especial a Aute, su referente, que también se fue en aquellos días. Y destaca la pseudo rumba que apunta a convertirse en su hit particular "Por no decir tu nombre", una canción extraída de sus experiencias con algunos haters que vociferan por las redes sociales. 

El concierto estuvo repleto de duetos, resaltando la participación de la cantautora Vicky Gastelo, nombre que me apunto para tener muy en cuenta. Por supuesto, hubo muchos detalles sonoros bien tocados por su banda, aunque sin excesos, pues la música está al servicio de las letras. 

Y tras más de dos horas terminó con un final apoteósico cantando “Será” y una tremenda y larguísima ovación como hacía tiempo que no se daba en el teatro. Y Andrés Suárez de rodillas por los suelos, a lágrima viva, agradeciendo este viaje de vida y vuelta con la frase: “ha sido un puto honor”. 

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Concerto 1700: Desafinando el Barroco

 

Concerto 1700. Sociedad Filarmónica de Gijón, Teatro Jovellanos, miércoles 10 de mayo. 

El conjunto instrumental “Concerto 1700”, fundado en 2015 y liderado por el violinista malagueño Daniel Pinteño, se ha convertido en una de las formaciones más importantes dedicadas al repertorio Barroco y destaca por la recuperación de nuestro patrimonio musical, tan importante y tan olvidado.  Además, siguiendo la corriente historicista, utilizan instrumentos y accesorios de la época con el fin de conseguir la sonoridad más cercana al pensamiento creativo del compositor. 

Daniel Pinteño junto con Fumiko Morie (viola) y Ester Domingo (violonchelo) ofrecieron al público dos tríos de José Castel, un trío de Luigi Boccherini y un estreno del “Trío de cuerda nº 6” de Cayetano Brunetti. Un repertorio con algunos movimientos de gran belleza y creatividad, destacando los correspondientes a Boccherini y, también, el primero y el tercero de Brunetti. Además, demostraron ser grandes virtuosos y muy conocedores del repertorio en el que se mueven. Ahora bien, la inestabilidad en la afinación jugó malas pasadas. 

Esa idea de tocar el repertorio de manera historicista (el término más reciente es históricamente informado), sin aprovechar los avances tecnológicos es muy romántica, pero poco efectiva. Las cuerdas de tripa del violín (la viola estuvo mucho más firme), le obligaban a afinar cada vez que respiraba y cuando el movimiento exigía virtuosismo la afinación no se mantenía. El chelo por su parte, también tuvo muchos problemas con afinación al no usar pica. Supongo que la humedad de Gijón afectó más de la cuenta.

En definitiva, es una lástima que haya quedado deslucido un repertorio tan bonito con unos intérpretes tan magníficos. 

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Mocedades y Los Panchos, con cuerda para rato

 

Teatro de la Laboral, 7 de mayo de 2023. 

Nostalgia y emoción a raudales fue lo que se vivió el domingo en el Teatro de la Laboral. Y es que escuchar a Mocedades y a Los Panchos, las dos formaciones juntas cantando en directo, es recordar medio siglo de canciones.

La primera parte estuvo a cargo de Los Panchos y el trío se convirtió en sexteto para recordar magníficos boleros que nunca pasarán de moda.  Rafael Basurto, el último del Trío Los Panchos, conserva la voz con potencia y finura y sus debilidades las sabe suplir a base de simpatía y de un gran equipo de músicos y cantantes con los que se arropa. Gracia no le falta y entre sus chistes y el entusiasmo que muestra encima del escenario, una hora de concierto se queda corta. 

Luego llegó Mocedades, el sexteto que ha hecho historia como ninguna otra formación vocal, con Izaskun Uranga como capitana y única componente que permanece desde el inicio. Y una vez más volvieron a impactar con sus voces bien afinadas, destacando esos arreglos vocales en canciones como “La otra España”, “El Vendedor”, “Eres Tú”,  “Tómame o Déjame” y muchas otras, en las que también destacaron las voces solistas de Rosa Rodríguez o la de José Miguel, que también hizo de presentador. Sorprendió la voz de Toni Menguiano, tanto en “Pange Lingua” como  en una versión de “Somebody to love” (Queen): su timbre recuerda a la voz de Guzmán (Cadillac) mejorada. Y ya es decir.

Quedaron muchas canciones por escuchar y aún así fueron más de dos horas. Creo que cada una de las formaciones merece un concierto en solitario para que no resulte tan largo para un público con una media de edad tan avanzada. Porque son dos grupos históricos que aún tienen mucho que cantar. 

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Una vez más Film Symphony

 

Film Symphony Orchestra, Gira “Krypton”. Teatro de la Laboral, Gijón, 5 de mayo de 2023.

Una vez más vuelve la Film Symphony a Gijón agotando entradas y causando euforia entre los asistentes. Además, con el programa “Krypton” la apuesta es segura, pues la temática de superhéroes cuenta con legiones de seguidores. Y una vez más, sigo creyendo que la idea de Constantino Martínez Orts es buena, porque la música de cine ha logrado captar la creatividad de los mejores compositores y hay verdaderas obras de arte, sin embargo, el modo de proceder no me convence: sobran películas y faltan ensayos. 

De la parte musical hay que apuntar algunos detalles. En la “Obertura” del Cid se notó que la sección de viento metal iba floja y se confirmó con el “Batman” de Elfman y aún más con el Capitán América, donde la falta de brillo era evidente. La sección de cuerda suena bastante bien, a pesar de la escasa dirección, hay empaste y buena afinación. En cuanto a la percusión, depende del tema: bastante flojos en los compases de amalgama, un poco batiburrillo en la banda sonora de Maurice Jarré, caos con las castañuelas de La máscara del Zorro y muy bien en el despliegue instrumental de Black Panther. 

Lo mejor: la joven orquesta se presta a cantar, tocar palmas, hacer coreografías… tanta participación es imposible de ver en una sinfónica al uso y eso está muy bien. Además, logran acercar al público masivo a la sonoridad de una orquesta sinfónica a través de un concierto que resulta bastante didáctico. 

Lo peor: tocan fragmentos de demasiadas películas de manera superficial buscando la comercialidad fácil, sin entrar en detalles sutiles. Aún así, triunfan porque no hay nada como no tener competencia. 

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L.E.V. entre el vintage y el aburrimiento.

 

Grand River y Robert Henke. L.E.V. Festival. Teatro de la Laboral, viernes, 28 de abril de 2023. 

No hay nada como saber venderse bien. Y eso es lo que hizo la compositora y diseñadora de sonido Aimée Portioli, que actúa con el apodo “Grand River”. Ella sola en el escenario, parapetada detrás de múltiples aparatos, se encargó de abrir el primer concierto del LEV Festival en el Teatro de la Laboral. Personalmente no recuerdo ninguna oferta del LEV tan soporífera. Y ya van ediciones. 

Vende su tercer trabajo “All Above”, como ”el más ambicioso y diverso” y lo define como “música electrónica experimental de gran riqueza emocional, atmosférica y rítmicamente compleja”. Pues bien. Yo creo que no tiene ninguna complejidad rítmica y mucho menos riqueza emocional, pues la única emoción que provocó fue el aburrimiento. Desconozco sus trabajos anteriores, pero si bombardear los oídos una y otra vez con una mínima gama de sonidos, jugando con poco más que los volúmenes, es ambicioso y diverso será que no manejamos el mismo diccionario. Y es que de momento no me da por tomar drogas para poder “disfrutar” de algo tan oscuro y monótono. En un espectáculo de más de una hora pueden salvarse los últimos minutos porque recuerda ligeramente a la banda sonora de “Interstellar” de Hans Zimmer. El resto nada, ni siquiera la parte visual estuvo entretenida.  Aún así, el público del LEV, que son gente muy educada, aplaudió, aunque con discreción. 

La ovación sincera se la llevó el alemán Robert Henke, con su performance en la que visualizamos y escuchamos la creación musical a través de un despliegue de cinco ordenadores Commodore CBM 8032, rescatados de los años 80’. Toda una lección didáctica en la que se pudo apreciar la complejidad de la programación y, porqué no, la belleza de lo vintage. Ese es el espíritu del LEV.  

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El cantaor Israel Fernández se gana el respeto de los más puristas

 

Israel Fernández, Gijón Sound Festival. Teatro de la Laboral, Gijón, 22 de abril de 2023.  

El Gijón Sound Festival, en su tendencia de abrir barreras hacia otros géneros musicales apuesta por Israel Fernández, la nueva sensación del cante flamenco. Muchos aficionados al género se dieron cita en el Teatro de la Laboral para escuchar la garganta de Israel fundida con la guitarra de Diego del Morao. Los dos solos en el escenario ofrecieron un concierto que se hunde en las raíces flamencas entre tientos y más tientos, pasando por bulerías, seguidillas o fandangos, entre otros palos. 

 Israel provoca ciertas suspicacias entre los más puristas y causa sensación entre los más modernos. De hecho, la mayor parte del público no había cumplido los cuarenta años. Si bien es cierto que el cantante nunca llega a desgarrar y, por tanto, tampoco consigue pellizcar, no hay duda de que  tiene una  preciosa voz con una técnica impecable y no se va de afinación ni una micra.  

Israel lo dio todo con su peculiar forma de cantar, pero lo más brillante fue la actuación de Diego del Morao. ¡Qué guitarrista! Los pelos como escarpias. Por algo está considerado uno de los mejores guitarristas flamencos de nuestros tiempos. Y vaya si lo es. Sus fraseos y su toque van mucho más allá del flamenco puro, amén de que la ecualización de la guitarra, superados los atisbos de acoples iniciales, quedó perfecta.

Israel Fernández ya es un primera figura del flamenco actual y aspira a ganarse el respeto entre la tradición. Desde luego, con colaboraciones como la de Diego del Morao está más cerca que nunca. 

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Otras sonoridades del acordeón

 Alejandro Ares. Sociedad Filarmónica de Gijón. Teatro de Jovellanos, 19 de abril de 2023.  

No es habitual escuchar recitales de acordeón con repertorio académico en el Teatro Jovellanos. Es más, haciendo memoria colectiva con los más veteranos de la Sociedad Filarmónica, solo se recuerda el del acordeonista Mika Väyrynen, una década atrás. El acordeón es un instrumento que rápidamente asociamos al repertorio tradicional y folklórico, sin embargo, la rápida evolución de este joven aerófono ha generado mucha y buena escritura académica en estos casi dos siglos de vida.  

El concertista y profesor Alejandro Ares fue el encargado de romper la sequía de recitales de acordeón  con un programa que comenzó en el barroco y terminó en pleno siglo XXI. De las transcripciones del repertorio también se encargó Ares y así pudimos escuchar un “Preludio y Fuga” de Bach, con el que fueron inevitables las comparativas. Sorprendieron las dos sonatas de Scarlatti: por su aporte expresivo me gustan más en acordeón que en clave.   

Ares dio un salto del barroco al siglo XX para ofrecer “Tres preludios vascos” del Padre Donostia, con gran exhibición y virtuosismo de sonoridad folklórica mezclada con romanticismo. Gustó mucho.

De la segunda parte destaca la “Fantasía para acordeón” de Fermín Gurbindo por sus infinitas posibilidades técnicas. Nunca hubiera imaginado que se podía hacer bending, entre otros efectos, con un acordeón. 

“Stela” de Pablo Moras fue muy interesante, pero se quedó corta de volumen para un auditorio como el del Jovellanos. No así la obra “De la luz sobre las cosas”, escrita especialmente para Ares, con la que se lució y dejó claro que el acordeón merece más visibilidad en la música de cámara. Sobre todo con músicos de la talla de Alejandro Ares.

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Ara Malikian, sin parar

 

“The Ara Malikian World Tour”. Teatro de la Laboral, sábado, 1 de abril de 2023. 

Nueva cita de Ara Malikian con pocas novedades, aunque hace un año por estas fechas anunciaba en el Teatro de la Laboral un parón en su carrera para componer temas nuevos. Tal parón no llegó y viendo su agenda de conciertos y los destinos para el resto del año, dudo que ocurra algún día. Aún así, no es un reproche. Malikian tiene tantas genialidades que se puede permitir tocar los mismos temas y contar las mismas historias una y otra vez. Siempre suenan a novedad.

Impecable la banda que le acompaña, como siempre, destacando al pianista Iván Melón. De su actuación destaca la apertura con la enérgica “Cosquillas a un mimo” (hasta su título tiene gracia) y la “Rapsodia Gijonesa”, con la que volvió a ganarse el cariño y la admiración de los asturianos. A este paso tendrá que fijar aquí una segunda residencia. 

Las aventuras de su tío Nono o sus experiencias en las “oficinas alienígenas” de Londres arreglando su visado, desataron las risas y el entusiasmo de los presentes que disfrutaron de su virtuosismo y su energía incansable.   

Del repertorio clásico rescató el “Preludio nº 4” de Chopin, más acertado el piano que el violín, y una miniatura de Dvorak con una fantástica interpretación. Brillante su nueva versión de “Misirlou” e impecable la “Nana arrugada”, con la que cerró el concierto para volver a comenzar de nuevo una hora más tarde y al día siguiente en Oviedo. Ara Malikian no para. ¿Qué comerá?

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El eterno Requiem de Verdi

Concierto Extraordinario de Semana Santa: OSPA, Coro de la Fundación Princesa de Asturias, Nuno Coelho (director), Adriana González (soprano), Silvia Tró (mezzosoprano), Pavel Petrov (tenor), Shenyang (bajo-barítono). Teatro Jovellanos, jueves, 30 de marzo. 

El Concierto Extraordinario de Semana Santa promovido por la OSPA, sorprende en el Jovellanos con el colosal Requiem de Verdi, una de las obras más monumentales del repertorio sinfónico-vocal escrita en honor al literato Alessandro Manzoni, por quien Verdi profesaba amistad y admiración. Todo estaba perfectamente engranado para subrayar la belleza de la partitura: la dirección entregada de Nuno Coelho, la OSPA crecida, el bien templado y afinado Coro de la Fundación, la buena elección de los solistas y, además,  las impecables notas al programa escritas por el musicólogo Jorge Trillo, que ofrecieron las claves para comprender la magnitud de la obra y poder disfrutar de cada uno de sus detalles.  

La partitura de los solistas es tremendamente exigente, sobre todo la de la voz para soprano, puesto que exige unas dinámicas que van desde los pianísimos más tenues hasta los fortísimos capaces de sobrepasar a toda la orquesta y coro a la vez. Un papel difícil solo a la altura de grandes voces y Adriana González cautivó al aforo lleno. ¡Qué fuerza, qué timbre, qué expresividad, qué afinación! Magnífica. También, Silvia Tró hizo una gran interpretación en la cuerda de mezzosoprano, empastando perfectamente con el resto de las voces y brillando en sus momentos solos. 

La nueva etapa de la OSPA, iniciada bajo la dirección del portugués Nuno Coelho, está dando sus frutos y los cambios ya se perciben en positivo. Muestra de ello es la selección de esta eterna obra, que si todo sale bien el público agradece con creces. Y así ha sido.

Crítica publicada en La Nueva España

Poesía hecha música POEX

 

“Poesía hecha Música”, Sociedad Filarmónica de Gijón. Teatro Jovellanos, miércoles 22 de marzo. 

Poesía y Música son dos artes paralelas que en ocasiones se unen para sumar, como es el caso del concierto organizado por la Sociedad Filarmónica en colaboración con la cuarta edición del Festival de Poesía (POEX) de Gijón.  El trío formado por Carmen Paula Romero (soprano), Ángel Belda (clarinete) y Viviana Salisi (piano), se encargó de ofrecer una velada con propuestas originales que fusionaron las partituras de Marcel Olm, Schubert, Lorenzo Palomo, Guastavino y Salazar con las poesías de Francisco Álvarez Velasco, Juan Ramón Jiménez y León Benarós. 

Después de interpretar la “Nana para luna” de Olm tuvo lugar el estreno absoluto de “Rubiana” para voz y clarinete, un mosaico de siete movimientos que nos haría falta una segunda escucha para apreciar toda su belleza. “El pastor en la roca”, lied póstumo de Schubert que trata de la desesperación por estar separado de la persona amada, fue la obra que más ovación recibió: el piano estuvo muy firme y el clarinete excelente. La voz de Carmen Paula es muy bonita, con buena dicción, muy ágil en dinámicas y gran cuerpo en el registro medio, sin embargo, en los agudos no brilla lo necesario.

En la segunda parte pudimos escuchar otra tanda de joyas, comenzando por los “Cantos del alma” con textos de Juan Ramón Jiménez. Bravo por el clarinete en el “¡Pájaro del agua!” y bravo por la composición de “Los palacios blancos”, que trata la muerte de un niño con dulzura y respeto. Las “Flores argentinas” de Guastavino junto con las piezas de Salazar también resultaron atractivas y muy bien interpretadas por el trío. En definitiva, una velada de música y poesía que encantó a los asistentes por su belleza y singularidad.

Crítica publicada en La Nueva España

Las cosas del Kanka

 

El Kanka: Gira “Cosas de los vivientes”. Teatro de la Laboral, sábado, 18 de marzo de 2023.

 Juan Gómez, a quien le gusta firmar como “El Kanka”, ha convertido Gijón en cita obligada cada vez que inicia una nueva gira, y en esta ocasión su nuevo disco “Cosas de los vivientes” era la excusa. Un discazo, diría yo. El cantautor ha sabido construir una carrera profesional muy solvente a lo largo de quince años en los escenarios, a base de hacer canciones pegadizas con buenas letras, unas más afortunadas que otras, sin embargo, la mayor parte de “Cosas de los vivientes” han llegado para quedarse como clásicos de sus giras. Si no, al tiempo. 

De los temas antiguos que sonaron en el escenario de la Laboral me quedo con “Volar”, ese ritmo de vals que cantó con Rozalén en su día, o “Guapos y guapas”, en la que se montaron una especie de tablao flamenco con brindis incluido, y que después de varios temas resolvieron con una escenografía original y divertida. También, muy reseñable la simpática “Lo mal que estoy y lo poco que me quejo”; hay que ver lo rapidísimo que recita algunas estrofas y lo bien que vocaliza el malagueño.  

Del repertorio nuevo comenzó definiéndose a sí mismo con “Autorretrato”. Poeta de los pies a la cabeza, hasta las presentaciones fueron en verso. Y también en verso nos recordó lo aburrida que es la perfección en “Propósitos de Año Nuevo”, y que “Tú opinión”, con soniquete de O’Funk’illo,  le importa un pito: buen tema y muy buenos arreglos.  

En definitiva, el Teatro de la Laboral ya va justo de butacas para el público de “El Kanka” y si sigue haciendo discos como este último, me temo que habrá que buscarle nueva ubicación. No es fácil plasmar en forma de canción cosas cotidianas o “Cosas de los vivientes” con tanto arte.

Crítica publicada en La Nueva España