La fuerza de John Williams

Film Symphony Orchestra: Especial John Williams. Teatro de la Laboral,

viernes, 8 de marzo, 2019.

La propuesta de Constantino Martínez-Orts lleva meses agotando entradas por distintos escenarios españoles. El director de la “Film Symphony Orchestra” ha dado con la clave para conquistar a un público de lo más diverso y que todos los asistentes salgan satisfechos después de  escuchar a una orquesta sinfónica durante más de dos horas. Lo tenía fácil, tan sólo tuvo que formar una joven orquesta de buenos músicos e interpretar bandas sonoras de John Williams. Este formato funciona desde hace décadas en Estados Unidos y en otros países anglosajones, y el éxito se debe a que las piezas son cortas y están en nuestras cabezas. Quién no ha escuchado alguna vez la banda sonora o tan siquiera la melodía  de películas como Star Wars, Jurassic Park, JFK, Indiana Jones, Tintín, Memorias de una Geisha, La Terminal…Dieciocho películas sonaron en el Teatro de la Laboral y, además, hubo concurso online, personajes disfrazados y muchos detalles para convertir una noche sinfónica en un espectáculo de entretenimiento y diversión.

Impregnaron el auditorio de energía positiva interpretando  una de las especialidades de Williams: la fanfarria. “Olympic Fanfare and Theme”, creada para los Juegos Olímpicos de Los Ángeles (1984), fue dirigida con ímpetu sin llegar a extraer toda la fuerza del viento-metal que requiere este tipo de piezas, sin embargo, destacó ampliamente la sección de viento-madera. La sutileza de la flauta solista y la cuerda grave fue lo más destacado durante la interpretación de “Dartmoor 1912” de la película “War Horse”, una partitura de estilo pastoral que rinde homenaje a grandes compositores británicos como Vaugham Williams, Eliot Gardiner o Edward Elgar. Muy destacable la interpretación de una pieza del final de “Encuentros en la tercera fase”: para ilustrar musicalmente la comunicación entre los humanos y los extraterrestres,  Williams se sirvió de un lenguaje textural complejo para sostener un leitmotiv de cinco notas.

Tras la pausa hubo concurso a través de una app: los espectadores tenían que adivinar diez fragmentos que sonaron durante diez segundos para ganar un viaje a Hollywood. Desconozco el resultado de los acertantes, pero melodías como Casablanca, La Pantera Rosa o Juego de Tronos, entre otras, rompieron la dinámica del concierto y dieron paso a la segunda parte.  Sonaron partituras muy interesantes como “Las Cenizas de Ángela”, con la que se rindió homenaje a las mujeres por ser 8 de marzo. El concertino Manuel Serrano se lució con la adaptación musical de “El violinista del tejado”, y la sección de percusión brilló con la marcha diabólica de “Las brujas de Eastwick”, una partitura muy del estilo de otro de los grandes de Hollywood: Danny Elfman.

Para finalizar una de las bandas sonoras más influyentes de la historia del cine, en la que cada personaje y cada objeto tenía su leitmotiv: Star Wars. La “fuerza” acompañó a la orquesta en una Interpretación magistral de la escena en la que la princesa Leia condecora a Han Solo y Luke Skywalker tras destruir la Estrella de La Muerte. Algunas espadas láser se encendieron entre las butacas y el público se entregó a un entusiasmado aplauso que tuvo su recompensa. La orquesta, en actitud divertida y con espadas láser en mano (los arcos de violines y chelos) volvió a escena para interpretar la solemne “Marcha imperial” y la divertida “Cantina Band”. Sin duda, un éxito que marcará tendencia.

Crítica de Mar Norlander publicada en La Nueva España

Pinceladas de Rebétiko, la película de Costas Ferris

La diversidad con la que cuenta el séptimo arte a lo largo de su historia es tan inmensa que 

a menudo se nos escapan verdaderas joyas. En esta ocasión, gracias a la Asociación de profesores de Latín y Griego "Céfiro", he podido conocer y profundizar en una importante película, cuyo título alude a un género musical que representa a la Grecia tradicional. Una gran película que merece la pena conocer. 

En esta entrada del blog describiré algunos fragmentos que me han llamado la atención, principalmente por su calidad sonora, su construcción fílmica y su historia. 

 Nota: Hay SPOILERS 

Comenzaré definiendo el rebético como un género musical griego cuyo origen se remonta al siglo XIX y logra su máxima extensión durante las primeras décadas del siglo XX, entre las clases trabajadoras y los suburbios de Grecia. La frágil convivencia entre minorías étnicas, aunque limitada y con episodios de enfrentamiento, se prolongó hasta el fin de la Primera Guerra Mundial. Pero con la disolución del Imperio Otomano y la configuración de los nuevos estados-nación, todos aquellos que quedaron a caballo entre dos culturas fueron condenados al desarraigo o a la marginación.  Fue entonces cuando evolucionó esta nueva tradición musical denominada rebético. Hoy en día, las canciones forman parte del repertorio tradicional de casi todos los eventos sociales acompañados de música y bailes. La riqueza cultural y artística de este género es un legado que se debe conservar para compartir con futuras generaciones. Por ello la Unesco lo ha inscrito en 2017 en la "Lista Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad". 

Las canciones rebéticas contienen valiosas referencias a costumbres y prácticas de una población marginal que vivió uno de los episodios más dramáticos de la historia de Grecia durante la primera mitad del siglo XX. Esta música aúna cantos tradicionales de la zona del Egeo, ritmos y armonías occidentales y esquemas compositivos otomanos. Hoy en día es un género musical tradicional vivo, con un fuerte contenido artístico, simbólico e ideológico. En sus orígenes este elemento cultural se transmitía sólo por vía oral, cuando se interpretaban en directo sus canciones, o mediante las enseñanzas prácticas impartidas por los músicos y cantantes veteranos a los más jóvenes. Aunque este modo de aprendizaje informal sigue siendo importante todavía, las vías de transmisión del rebético se han ampliado gracias al cine, a los medios de comunicación y a la generalización de las grabaciones sonoras. En las últimas décadas el rebético se enseña cada vez más en conservatorios, escuelas y academias, contribuyendo así a que su difusión sea mayor. Los músicos y cantantes, junto con los aficionados a este género musical, desempeñan un papel esencial en la viabilidad y perdurabilidad de esta práctica cultural. 

"Rebétiko", dirigida por Costas Ferris (1983), es una película imprescindible para acercarse y conocer a fondo este género musical, cuyo valor es incalculable. Con guión de Costas Ferris y Sotiria Leonardou (también es la actriz protagonista) está basada en la vida de la cantante Marika Ninou (Esmirna 1919- Atenas 1956), una de las cantantes más representativas del género. En paralelo se narra la convulsa historia de Grecia de la primera mitad del siglo XX a través de los ambientes y la vida de los músicos de rebético de la época. Hay que aclarar que el director se permite varias licencias en cuanto a la biografía de Marika Ninou, incluso faltando a la verdad, como el momento de su muerte. No por ello pierde valor, pues se trata de contar una historia en la que la música y la historia de un pueblo son los principales protagonistas. 

COSTAS FERRIS  es un director de cine y escritor griego con grandes aciertos a lo largo de su carrera. Según mi opinión los dos más importantes son: la película de la que trata esta entrada del blog y el libreto del disco "666" del grupo Afrodite's Child, un álbum conceptual de rock progresivo con composiciones de Vangelis que se ha convertido en un disco imprescindible dentro del estilo. Demis Roussos también formó parte de esta banda como bajista y cantante, antes de iniciar su carrera en solitario. Uno de los cortes más importantes del álbum cuenta con la colaboración de la actriz Irene Papas, que hace una performance a medio camino entre el dolor y la orgía sexual. Este disco tuvo una fuerte censura en su momento y hoy en día es un disco de culto. Más información sobre el disco AQUÍ. 

"Rebétiko" es una película de 2 horas y media de duración en la que se cuentan todos los hechos históricos a través de las letras de las canciones, de los escasos diálogos entre los personajes y de imágenes documentales de archivo. Comienza con un texto impreso en la pantalla que nos sitúa en la narrativa. Dice:

"La música rebética tradicional fue siempre la música por excelencia de los marginales, los rebeldes y los fuera de la ley. Con la catástrofe de Esmirna, en 1922, miles de griegos de Asia Menor - entre los cuales había muchos excelentes músicos- se encontraron de un día para otro hacinados en barrios para refugiados de las afueras de Atenas.  Fue entonces cuando se desarrolló una solidaridad de clase, entre los refugiados y los mangues -chulos- del Pireo.  En esta convivencia  surgió la escuela de Esmirna y luego, con la oficialización del buzuki, las corrientes atenienses y del Pireo  consagraron al rebético como la auténtica canción popular que expresa el sentir de la mayoría de los heredados".

El plano se pone en movimiento y la acción comienza en 1919 con el nacimiento de Marika Ninou en la ciudad de Esmirna (Turquía), durante una actuación musical del grupo de rebético liderado por su padre. Mientras, el parto tiene lugar en una habitación contigua en condiciones muy precarias. El "cojín" del embarazo es uno de los pocos detalles de esta película que no están conseguidos. Llama la atención el vestido de raso negro de la parturienta y da lugar a varias interpretaciones: es posible que estuviera vestida para actuar y el parto fuera en un momento imprevisto o quizás Costas Ferris quiso reflejar una forma de vida "a salto de mata", es decir, viven con lo puesto y se adaptan a las situaciones según llegan. 

Por otro lado, en esta escena también podemos observar la composición de los grupos de rebético en su origen, con sus instrumentos tradicionales, buzuki, baglamás, guitarra, mandolina y violín (este último, junto con el acordeón es de incorporación más tardía). La canción es muy melódica, fácil de recordar y los músicos actúan con cierta alegría, cantando una canción de letra esperanzadora. Aún faltaban dos años para que tuviera lugar la "Gran Catástrofe", de Esmirna, provocando que cerca de dos millones de personas que serían desplazados de sus lugares de origen para hacinarse en suburbios de distintas ciudades griegas, viviendo en absoluta pobreza. Dice la letra de la primera canción: 

"Un día la historia escribirá cómo expulsó de Atenas a las fieras, cómo expulsó a reyes y diputados, a los mentirosos y granujas".. El estribillo dice: "Y en la Defensa Nacional están todos los oficiales, está luchando también Venizelos, que va a acabar con esto y todos juntos los patriotas nos traerán la igualdad"..." La Virgen que está a nuestro lado le muestra el camino a nuestro nuevo general, el héroe de la Defensa Nacional, que lucha y expulsa a los enemigos.  Los muchachos de la Defensa expulsaron al Rey y lo mandaron a tomar viento y a largarse por donde vino a comer hasta reventar junto a su familia extranjera".

Enfatizada por una melodía delirante de violín, la cara del padre es todo un espectáculo al recibir la noticia de que es una niña la que acaba de nacer. Una de los detalles más interesantes a lo largo de toda la película es la utilización de gran cantidad de planos medios y primeros planos, ayudando al espectador a comprender perfectamente todas las emociones que viven los protagonistas. 

Otro de los grandes aciertos del film es intercalar imágenes documentales de los hechos históricos y políticos de la nación. Después de la primera escena se emiten imágenes de documental de 1922, momento de la Catástrofe de Asia Menor y la expulsión de los griegos de Esmirna. Después de las guerras entre Grecia y Turquía, el acuerdo diplomático del Tratado de Lausanne forzó el desplazamiento de cerca de dos millones de griegos de Asia Menor, que se estabecieron en miseras barriadas de Atenas y Salónica. La gran mayoría huyeron con lo puesto y lo único que les quedaba era su música, sus costumbres y su orgullo.

La siguiente escena, ya tras el exilio, se sitúa en El Pireo (Grecia) en 1925 y parece similar a la anterior (sin el parto), sin embargo hay notables diferencias. La acción transcurre en una taberna o tekede, donde se muestra el ambiente de consumo de hachís, alcohol y opio. El tekede está mucho más concurrido y están representados los mangas (chulos), las prostitutas y la desidia de los hombres que se refugian en las drogas.  El grupo musical toca una canción rebética sin alegría y sin entusiasmo, con resignación por la suerte que les ha tocado vivir y mostrando que la música (y las drogas) es lo único que les da calor. La letra de la canción lo pone en evidencia. Dice:  

¿Dónde voy a encontrar cuatro espadas y un cirio que empuñar para encender fuego hoy mismo y quemar de una vez este mundo al que amé y dejó que me pudriera? En las islas desiertas de la amargura comulgué con mis propias lágrimas y en la cárcel de la vida, donde no existen los domingos, nunca pude olvidar la soledad asesina. Y tú que llegaste una noche a dar calor a mi corazón, me arrojaste pobre de mi, a lo más profundo del negro invierno. Me traicionaste y me escupiste. Eras la alegría y te apagaste. 

De nuevo destacan los primeros planos y los planos medios, en este caso de Adriana (madre de Marika) y de Thomas (el chulo), sin ningún diálogo comunican al espectador todo lo que está sucediendo emocionalmente. 
Seguidamente tiene lugar una escena que representa las vejaciones a las que están sometidas las mujeres de esa condición social y en ese periodo histórico: el maltrato del marido y los favores sexuales que tiene que hacer la madre de Marika para proporcionarle comida decente a su hija. La situación es dramática, sin embargo está representada con elegancia, sin caer en el socorrido aspecto lacrimógeno. En posteriores escenas se vuelven a vivir momentos dramáticos, siendo el padre el artífice del maltrato, tanto a su mujer como a su hija cuando era niña. 

La mayor parte de la película contiene música rebética, principalmente diegética y en menor medida incidental para contextualizar alguna situación. Sin embargo, también se juega con los espacios de silencio tan necesarios para dar tiempo al público a asimilar las distintas escenas. La banda sonora corre a cargo de STAVROS XARJAKOS, un compositor que ha hecho una gran labor de investigación etnomusicológica en las raíces de la música griega, para volcar todo ese conocimiento en esta cinta. Hemos citado algunas de las canciones que contienen una letra muy significativa, sin embargo también es muy destacable los fragmentos de música instrumental, donde combina melodías étnicas de origen occidental con escalas orientales, jugando con los cromatismos que identifican las tonalidades mayores y menores. 

En el siguiente corte podemos ver escenas diferentes donde la música juega un papel primordial, por ejemplo durante la paliza que le da el padre a Marika: suena un lamento musical, sin embargo no se escucha ningún llanto por parte de la niña. Una analogía musical muy interesante.

De nuevo en la taberna, mientras suena la música, el movimiento lento de la cámara le cuenta al espectador la situación que está viviendo la madre de Marika junto con su amante (primero enfoca la silla vacía de Adriana y seguidamente la de Thomas). Estos movimientos de cámara tan lentos es uno de los mayores logros de la película, evitando diálogos innecesarios. 

Una de las escenas más dramáticas de la película es la muerte de Andriana, madre de Marika. Gran interpretación por parte de los actores durante todo el film, pero especialmente en esta escena. Consiguen que el espectador sienta un gran desprecio por el padre y una gran compasión por la situación de la madre. 

Por otro lado, es llamativo el comportamiento vecinal después del suceso: muestra una gran pasividad ante la situación sin alterarse lo más mínimo ante tan grave acontecimiento, y en este aspecto la cámara vuelve a jugar un papel fundamental con sus movimientos lentos, mientras suena la música. El pueblo vive aletargado, aceptando su destino y sus lamentos solo se transmiten a través de los cantos. Dice la letra: 

"No tengo ni calle ni barrio donde pasear un primero de Mayo Tus grandes palabras falsas me las dijiste con la primera leche materna, pero ahora que las serpientes han despertado tú luces tus adornos de antaño y nunca derramas siquiera una lágrima Madre Grecia, al vender a tus hijos como esclavos". Toda una declaración de reproches al sistema político griego que se ha desentendido de esa parte de la población, dejándola a su suerte. Las letras de las canciones pertenecen a dos de las grandes joyas de la literatura griega: la pareja formada por NIKOS GATSOS y AGATHI DIMITROUKA.  Un trabajo formidable. 

Una de las características de las canciones rebéticas es su capacidad para improvisar letras aludiendo a personajes locales. En el siguiente fragmento podemos escuchar una de las canciones rebéticas más representativas. El ritmo está formado por compases de amalgama (2/8, 2/8, 2/8 y 3/8) formando ciclos en compás de 9/8, que se repiten continuamente. En esta canción la letra hace un repaso por los instrumentos más característicos del género y los bailes que lo conforman, sobre versos con rima consonante. 

Dice la letra:  "Ven esta noche al Thomás, tocaré para ti el baglamás bajarán los  ángeles a bailar el tsifteteli y si te emocionas mucho y te gusta el violín, con violín y con dulcémele bailarán los diablos.    

En el local de Thomás nos drogaremos todos juntos pero para que lo entiendas Babis te lo va a explicar.

 El violín de Yorgakis te dejará sin palabras y Marika con la pandereta reirá y te hará un guiño..."

El baglamás o baglama es un instrumento similar a una mandolina griega, que consta de un cuerpo pequeño de madera con forma cóncava y un mástil que sostiene tres pares de cuerdas. Es un instrumento muy antiguo cuya evolución dio lugar al buzuki, uno de los instrumentos más importantes del rebético. El Tsifteteli es una danza del vientre griega, en la que bailan hombres  mujeres por igual y es una mezcla de elementos griegos, turcos, armenios y árabes. El violín se incorporó a la música rebética ya en el siglo XX, al igual que el acordeón y el banjo, anteriormente los instrumentos que se utilizaban eran el baglamás, el buzuki y el laúd, principalmente. El dulcémele es un tipo de salterio con forma trapezoidal, más conocido como dulcimer. 

Durante esta canción Marika (ya adulta y con una hija) se incorpora a la música rebética para ganarse la vida al ser abandonada por su marido. 

Una de las escenas más importantes de la película, según mi criterio, es una conversación entre Yorgakis y Marika que tiene lugar en el Mercado de los Limones, cuando Yorgakis anima a Marika a cantar. A priori, parece una escena sin importancia, sin embargo, consigue definir perfectamente la esencia del rebético. Ella duda de su capacidad vocal y el le contesta: "¿Tienes dentro de ti sufrimientos y penas? Eso es todo". En este aspecto el rebético se asimila al espiritual negro cantado por trabajadores afroamericanos que vivían en condiciones de esclavitud y marginación. También se asimila al cante flamenco original que surgió de la persecución de los gitanos, judíos y musulmanes asentados en Andalucía.

En la siguiente escena podemos ver cómo Marika comienza a cantar inspirándose en momentos trágicos de su pasado. La melodía es una fusión de escalas occidentales con escalas muy utilizadas en la cultura turca, donde se mezclan modos mayores y menores.

La última escena a destacar es una actuación en la taberna, mientras están en plena guerra, con explosiones y bombardeos que no cesan. A pesar de ello, el grupo sigue tocando como si no pasara nada, incluso se arrancan a bailar. El único cambio es que se ponen de pie y aceleran el tempo de la canción. Parece surrealista, sin embargo, consigue reflejar la indiferencia que sienten ante el peligro. Han vivido y viven tantas situaciones amargas que para ellos es una más. 

Y después de spoilear la mitad de la película dejo el resto para que cada uno saque sus propias conclusiones. Tan solo contar que Marika Ninou comienza a grabar discos y se va a América, donde vivirá otras nuevas aventuras y desventuras que no voy a desvelar aquí. A lo largo de su vida grabó 119 piezas cantadas y 55 instrumentales y algunas se ofrecen a lo largo de la película en versión original. 

Conclusiones

Una de las películas imprescindibles para acercarse a un momento histórico de la Grecia del siglo XX y para conocer un género musical rico de una gran riqueza rítmica, melódica y cultural. La película ha sido muy bien valorada por la crítica y ha obtenido numerosos premios, entre ellos el "Oso de Plata" de Berlín (1984), el "Premio Especial del Jurado" en Valencia (1984) y el premio "Tesalónica" (1983) como mejor película, mejor actriz principal, mejor actriz y actor secundarios, así como Premio Especial al Compositor. 

NOTA: En el siguiente enlace se puede ver la película completa en griego con subtítulos en inglés.  https://youtu.be/G21q_5iac90

FUENTES:
https://ich.unesco.org/es/RL/el-rebetico-01291
http://www.cervantesvirtual.com/obra-visor/canciones-de-amor-del-hachis-y-del-exilio-antologia-de-la-cancion-rebetica/html/
https://www.pireas.com/es/entertainment/nightlife/rembetika
http://hashmuseum.com/es/coleccion/hachis-en-grecia
https://int.ert.gr/agathi-dimitrouka-manolis-mitsias-gatsos-loved-concert-harvard-university/
https://elflamencoensevilla.com/cante-flamenco-historia/

Analizando la banda sonora de "091, policía al habla", de Augusto Algueró

En 1960 se estrena la película 091, Policía al habla, inspirada en hechos reales y dirigida por José María Forqué. La música corre a cargo del compositor Augusto Algueró y cuenta con la participación del saxofonista Pedro Iturralde. Basta escuchar las partes de saxofón incluidas en la banda sonora para apreciar que hay un gran músico detrás del instrumento, aunque en los créditos del film no aparece su nombre.

Según Padrol el catalán Augusto Algueró es el responsable de la evolución de la canción española, convirtiéndola “de folklórica en moderna” (Padrol 2009:390). Hijo y nieto de músicos (su abuelo fue el pianista de Raquel Meller y su padre fue pionero de los editores musicales españoles), tiene una solvente trayectoria como arreglista, director de orquesta, pianista y compositor. Estuvo muy influenciado por el jazz y la música norteamericana, y sus inicios en la música de películas se sitúan en el “Teatro Cómico” del Paralelo de Barcelona, situado enfrente de los Estudios Iquino de Cine. A finales de los 50 se convirtió en una de las figuras claves de la música moderna española, con canciones popularizadas por Marisol, Rocío Dúrcal o Los Cinco Latinos, entre otros. Compuso numerosas bandas sonoras de diferentes estilos, para una gran variedad de films, sin embargo, el único premio que se le ha concedido hasta la fecha es la Medalla de Oro del Cine Español, concedida con motivo del Centenario del Cine (Padrol 2009: 394).

El argumento de la película "091, Policía al habla" trata de la vida de un policía que atiende las llamadas de emergencia nocturnas en su coche patrulla. Su hija de 7 años es víctima de un atropello a la salida del colegio y el conductor se da a la fuga. Cuando consiguen localizar el coche del siniestro, el policía (interpretado por Adolfo Marsillach) quiere encargarse personalmente de detener al conductor. Mientras, el cuerpo de policía tiene que resolver diferentes sucesos que se desarrollan a través de distintas historias paralelas: la mala relación del protagonista con su mujer a raíz de la muerte de su hija, un grave accidente de coche con dos muertos por los efectos del alcohol, una mujer que se pone de parto, un niño que necesita urgentemente una bombona de oxígeno para respirar y un robo a gran escala, son algunos de los sucesos a los que se enfrenta la patrulla de policías en el transcurso de una noche. Dos cacos de poca monta, interpretados por Tony Leblanc y Manolo Gómez Bur, aportan la comicidad necesaria a una película basada en la tragedia, para aligerar la tensión. Este tipo de contrastes es una herencia de la zarzuela, del sainete y en general del teatro español.

La finalidad de la película, además del entretenimiento, es mostrar al cuerpo de policía en labores heroicas y al mismo tiempo humanas, con un marcado carácter apologético. Es destacable el desarrollo y la estructura del film, así como los apuntes costumbristas de la época (Aguilar 2013:93). En este aspecto es necesario destacar el papel de la esposa del policía, prototipo femenino de la mujer servicial, generosa y todo un conjunto de virtudes necesarias para asumir lo que debe y puede hacer en la vida una mujer de la época: ser esposa, madre y ama de casa. Con la pérdida de la niña la relación se desmorona, pero aun así ella está dispuesta a resolver la situación siempre que su marido la necesite. Otra pincelada costumbrista que está presente en el film es el que da lugar a la frase “estar de Rodríguez”, mientras las esposas se van de vacaciones a la playa con los niños.

La película se enmarca en un contexto histórico en el que cobra gran importancia la crónica criminal, en parte debido al auge del semanario El Caso, fundado en 1952 (Benet 2012: 306). El reparto es excepcional, contando con algunos de los actores más importantes de la época: entre ellos Adolfo Marsillach, Tony Leblanc, Susana Campos, José Luis López Vázquez, Manolo Gómez Bur, María Luisa Merlo, Francisco Cornet, Julia Gutiérrez Caba, Gracita Morales, Antonio Casas, Asunción Balaguer, Irene Gutiérrez Caba, Agustín González o Antonio Ferrandis.

La secuencia inicial es especialmente interesante para ver la relación que se produce entre música e imágenes ya que sin música no tendría el mismo sentido. Esta escena nos muestra diferentes planos de niñas  vociferando a la salida del colegio, en un hábito muy común, alternándose con planos de un coche que circula de manera sospechosa y el ruido del frenazo al dar la curva con excesiva velocidad. La integración música-efectos de sala crea un continuum sonoro que nos sitúa emocionalmente dentro de la secuencia. La salida del colegio se orquesta con un ritmo constante de percusión, con un acorde obstinato construido con un tritono (Fig. 1) y va tomando cada vez más presencia, incrementándose la instrumentación y acelerando el pulso rítmico. Es la música la que nos comunica la gravedad de los hechos que van a acontecer.

Inmediatamente la niña es atropellada y hay una explosión de metales con un glissando descendente sobre tres notas (Fig. 2), cuatro pulsos más de percusión en un registro más grave y de nuevo metales con intervalos disonantes anunciando la tragedia (Fig. 3). De hecho, el plano cenital junto con el acorde en los metales en glissando descendente nos comunica que la niña ha muerto.

La música, por tanto tiene una función narrativa puesto que sin música sólo sabemos que una niña ha sido atropellada. La película continúa sin música mientras se informan de quién es la víctima, tan sólo se alternan diálogos con sonido ambiente, ruidos de coches y máquinas de escribir.

La banda sonora que acompaña a los créditos iniciales tiene una orquestación claramente inspirada en la película “Vértigo” dirigida por Alfred Hitchcock, con música de Bernard Hermann. El estreno de Vértigo es de 1958, dos años antes de la película de Forqué, y Hermann se había convertido en una referencia para numerosos compositores de bandas sonoras. La música de Augusto Algueró presenta un aire de fusión entre el jazz y ritmos caribeños. Un motivo circular en obstinato con corcheas sobre compás ternario, surge cuando le comunican al policía a través de la emisora que es su hija la que ha muerto y da lugar al inicio de los créditos (Fig. 4). La banda sonora  de Vértigo también se construye con un motivo circular en obstinato que forma una espiral con tresillos de negra sobre compás binario (Fig. 5). En las dos películas los motivos circulares sirven de fondo para desarrollar la sección de metales, siempre de agudo a grave, con cromatismos que tienen su máximo clímax en registro grave, tan característico del estilo de Herrmann. Otros elementos característicos de este autor son: el uso de motivos muy pequeños que somete a una constante repetición con un elaborado tratamiento sinfónico y el privilegio del registro grave en la orquestación a cargo de los instrumentos de viento en detrimento del lirismo de las cuerdas. Estas características se aprecian en la banda sonora de Augusto Algueró pero adaptándolas a la música de jazz. 

En el siguiente vídeo podemos ver el inicio de la película Vértigo de Alfred Hitchcock con banda sonora de Bernard Hermann.

Como comentamos anteriormente 2 personajes aportan el tono cómico a la obra. Se trata de dos ladronzuelos que roban un pequeño coche (muy moderno para la época) y unos melones para intentar impresionar a unas chicas (que no aparecen en el film). Estos dos personajes cómicos suelen aparecer después de escenas de máxima tensión y dramatismo y generalmente todas las fechorías que llevan a cabo les salen mal. Para narrar su presencia, el compositor crea un motivo musical sobre la escala pentatónica de Mi (Fig. 6), sobre una base armónica de tónica y dominante. Para cerrar la melodía, a modo de pregunta y respuesta utiliza un turn around, característico de la música de blues y la mayoría de las veces está interpretada por marimba y guitarra de caja.

El mismo motivo podemos escucharlo cuando los cacos intentan vender un maletín de relojes que se han encontrado en el coche robado, sin saber que tienen un alto precio. Cuando les van a pagar el importe de la venta de 2 de los relojes se asustan y deciden devolverlo al lugar de origen (el coche robado), ya que son ladrones “honrados”. Para narrar esta escena, el compositor utiliza el mismo motivo, pero la melodía está interpretada por una flauta sobre un ritmo de swing llevado a cabo con percusiones. 

https://www.youtube.com/watch?v=JMTtBSKQxoQ

Poco después de haber devuelto el coche al mismo lugar donde lo habían sustraído, son detenidos, pero en ese momento el policía (Adolfo Marsillach) quiere llegar al aeropuerto cuanto antes para evitar que su esposa se marche a Barcelona. Por ello deciden dejar a los ladrones libres y en ese momento vuelve a sonar el motivo, con saxofón a ritmo de swing orquestado e improvisaciones de clarinete.

Los motivos comentados hasta ahora son los más significativos y tienen lugar a lo largo de todo el film para ambientar diferentes escenas, principalmente de carga dramática (Fig, 1, 2 y 3). Además, la banda sonora contiene otras músicas que ayudan a narrar las distintas situaciones a las que se ven sometidos los diferentes personajes. También encontramos música diegética para situarnos en lugares de ocio (una bolera, un pub, un tablao flamenco…). La máxima tensión se produce al final de la película en el aeropuerto de Barajas ya que, por un lado, el policía protagonista quiere evitar que su mujer se vaya y, por otro lado, han sido movilizadas numerosas patrullas para detener a una banda organizada de ladrones, que intentan huir con el botín a Lisboa. Se producen escenas de persecución y disparos con máxima tensión, típicas de cine policiaco. Para ambientar esta escena (que dura casi 5 minutos), Augusto Algueró recurre a todo el arsenal de motivos y melodías que ha utilizado durante toda la película: los tres acordes de metales cuando los ladrones son descubiertos; motivo de espiral con marimba, percusión y metales, junto con las sirenas de policías al iniciarse la persecución; una improvisación de estilo be-bop sobre base del motivo de espiral; la música de los créditos iniciales junto con los golpes en obstinato de la primera escena  aderezado con sirenas de policías y múltiples disparos. El policía protagonista cae herido y suena una variación de los 3 acordes de metales (Fig. 2). Su esposa acude en su ayuda, mientras, la escena de la persecución continúa desarrollándose in crescendo, hacia el agudo, hasta el momento en que disparan al ladrón.

La música nos informa de que la persecución ha terminado al morir el ladrón, con una sinuosa melodía de saxofón. Unos instantes sin música, tan sólo con el sonido ambiente de los ruidos de motores y la ambulancia que se lleva al policía herido junto con su esposa. Para los breves créditos finales se utiliza  el motivo de los cacos desarrollado con gran orquestación, a modo de big-bang con ritmo de swing.

En definitiva, una interesante película que nos acerca a algunos aspectos de los usos y costumbres de la sociedad española en los 60', con una banda sonora a la altura de cualquier película de cine negro hollywoodiense. 

Bibliografía:

AGUILAR, Carlos. Cine y jazz. Ediciones Cátedra, Madrid, 2013. 

ALCALDE DE ISLA, Jesús. “Pautas para el estudio de la música cinematográfica”. Área Abierta, Nº 16, Marzo 2007

BENET, Vicente J. El cine español: Una historia cultural. Paidos, Barcelona, 2012. 
PADROL Joan, “La música del cine español de los años 50: Augusto Algueró, Xavier Montsalvatge e Isidro B. Maiztegui” en OLARTE, Matilde. Reflexiones en torno a la música y la imagen desde la musicología española. Plaza Universitaria Ediciones, Salamanca, 2009. P. 389-402.
SANCHEZ BARBA, Francesc. Brumas del Franquismo: el auge del cine negro español (1950-1965). Edicions Universitat Barcelona, 2007. 

La primera es Concha Piquer

Hoy, repasando unos apuntes de música y cine, me viene a la cabeza una noticia que se publicó hace un par de meses sobre el primer film sonoro y que, por falta de tiempo, no hice eco en este blog. Hasta entonces siempre se catalogó "El cantor de Jazz" como el primero, pero tras el maravilloso descubrimiento de Agustín Tena, queda demostrado que ese honor se lo lleva el cine español, con la desaparecida y grandiosa Concha Piquer, en 1923, cuando tenía 16 años.
Esto no es un bulo como el de la Coca Cola (se dice que la inventó un español y que aquí no gustó, por lo que emigró a América en busca de fortuna y... el resultado ya se conoce), la misma historia de la Coca Cola, me consta que se cuenta en varios países, por lo tanto todos tenemos un inventor de las burbujas oscuras, sin embargo, ¿quién puede presumir de tener la primera película sonora de la historia de la humanidad? Hasta que aparezca otro, sólo nosotros. Ya lo dice el dicho "Spain is diferent".

Esta es la noticia publicada en el diario El País.
Un maravilloso piqueriano convicto y confeso como Agustín Tena ofrece hoy al mundo cinematográfico y musical un hallazgo extraordinario: la primera película sonora en español —y una de las primeras del mundo del cine—, protagonizada por Doña Concha Piquer y fechada en 1923. El descubrimiento se estrena esta noche en la serie «Imprescindibles», de TVE 2, a las diez de la noche. El documental «Conchita Piquer» ha sido dirigido por el escritor Jorge M. Reverte, realizado por Pilar Serrano y escrito por Agustín Tena; en él intervienen conspicuos conchitaadictoscomo Luis Eduardo Aute, Manuel Penella, Miguel Poveda, Martirio, Manuel López Quiroga, Jaume Sisa, Román Gubern y José Miguel Santiago Castelo.

EFE
Fotograma de la película
Se revela, pues, hoy al mundo el filme de once minutos que Lee DeForest rodó con Conchita Piquer en 1923, cuando ella tenía 16 «diciembres» y principiaba con el maestro Penella, su descubridor, autor de «El gato montés», su triunfal aventura artística en Nueva York. La cantante valenciana, que avanzado el siglo XX fue la dueña y reina indiscutible de la copla, se puso a las órdenes de DeForest, pionero del cine sonoro, nada menos que cuatro años antes de que se estrenara «El cantante de jazz», (de Alan Crosland, 1927), considerada la primera obra cinematográfica hablada porque contenía números musicales y algunos diálogos.
Agustín Tena explicaba ayer a ABC el magnífico e inédito hallazgo: «Se trata de la primera película sonora mundial (antes se colocaba un señor con un tocadiscos y en muchas ocasiones apenas coincidían música e imagen; incluso en “El cantor de jazz” los discos se rayaban). Esta, es pues, la primera vez que cinta y sonido cohabitan en sintonía. En principio, la gente no lo aceptó porque estaba acostumbrada al cine mudo». Agustín Tena tuvo noticias de esta película sonora sobre Conchita Piquer al leer la biografía que de la artista escribió Martín de la Plaza, que databa la grabación en el año 1927. Sin embargo, Agustín Tena persistió con su investigación y en la base de datos de internet www.imdb.comencontró la filmación, que la databa en 1923, «y eso es sagrado, es la biblia del cine». Y descubrió al coleccionista, Mr. Zouhary, que vivía en Washington: «Es un hombre octogenario, y nos costó contactar con él. Al final, hablamos con su criada, que nos confirmó que tenía la película y nos anunció que nos enviaría por correo información al respecto. Nos dijo que la grabación estaba depositada en la Biblioteca del Congreso de Washington y datada también en 1923». Tena se desplazó hasta allí y consiguió los derechos: «El señor Zouhary nos puso un precio no impresioniante, no llegaba al millón de pesetas, para hacernos con la reproducción».
Esta joya cinematográfica incluye recitados, un cuplé andaluz, un fado portugués y una jota aragonesa interpretados por la Piquer, exhibidos en el cine Rivoli de Nueva York en el mismo año 1923. Los bailes y canciones, acompañados de castañuelas tocadas por la valenciana, fueron registrados en el sistema Phonofilm patentado por DeForest. Cuando Doña Concha, entonces Conchita a los 16 años, termina la grabación, mira al operador y le dice muy seria: «¡Stop!».
Hallazgo por internet
La película inédita de 11 minutos, primera sonora en español, de Concha Piquer estaba en la Biblioteca del Congreso de Washington. Hace más de un año, Agustín Tena buceó por internet. dio con ella y se desplazó a adquirir los derechos al propietario.

Ver vídeo

Banda sonora de Psicosis

Un interesante vídeo sobre la banda sonora de una de las películas más importantes del siglo XX. PSICOSIS, dirigida por Alfred Hitchcock y compuesta Bernard Herrmann. Un documento de lujo.

SHINE

Este fin de semana he tenido sesión triple de butaca de cine (el sofá de mi casa y mi pantalla de tv) con 3 películas relacionadas con la música, y curiosamente las 3 basadas en hechos reales y en 3 épocas distintas. Empiezo por la última que visioné y si me queda tiempo postearé las otras 2.

"SHINE", brillante película, como su propio título indica, de la cual he podido disfrutar por recomendación de mi alumno y amigo Pablo, que me ha llevado a conocer al pianista australiano DAVID HELFGOTT. La película trata de su propia biografía; David es un niño australiano con un gran talento para el piano que, junto con sus padres, judíos, humildes y emigrantes de origen polaco y sus dos hermanas forman la familia Helfgott. Su padre, brillantemente encarnizado por el actor ARMIN MUELLER-STAHL, es el malo de la película, mostrando los malos tratos psicológicos y físicos a los que sometió a su propio hijo, por sus delirios de convertirlo en un afamado pianista ( o qué se yo, porque no me quedan claros los objetivos de su padre) y que desencadenó en un trastorno mental que llevaría a David a deambular por hospitales psiquiátricos parte de su vida.

Una película australiana de 1997,(de paso descubro que en australia también se hace cine, !que ignorancia la mía!), con toques hollywoodienses, dirigida por SCOTT HICKS y protagonizada por GEOFFREY RUSH, (el malo de Piratas del Caribe), en la etapa adulta del pianista. Genial interpretación por su parte; loco, brillante, tierno, estrambótico y un sinfín de calificativos que podríamos aplicar a todas las sensaciones y emociones que nos transmite a través de su personaje, por el cual fue premiado con un Oscar al mejor actor.
Me parece importante destacar también la interpretación de NOAH TAYLOR, David en su etapa joven, todo un papelón. En el siguiente vídeo se muestra la interpretación del Concierto Nº 3 de RACHMANINOFF, por parte del protagonista en su etapa de estudiante, obra que, según se muestra en la película, fue el detonante para su enfermedad mental y sería su obsesión durante toda su vida.


Un hecho curioso es que el pianista DAVID HELFGOTT ha pasado de ser un pianista casi anónimo a obtener fama internacional tras el lanzamiento de la película y actualmente realiza conciertos y giras por todo el mundo.
La película está muy conseguida, por lo menos a mi me ha gustado mucho y, desde luego, la banda sonora es !Chapó!.


El siguiente vídeo es otro de los momentos estelares de la película con el protagonista interpretando "Flight of the Bumblebee", in spanish "El vuelo del Moscardón". .

RHAPSODY IN BLUE - GEORGE GERSHWIN

"Un Piano en casa es signo de cultura y además tu hermana tiene uno". Fueron los argumentos que empleó la señora GERSHOVITZ para poder comprarse un piano cuando nadie de su familia tocaba este instrumento. "No se como lo vamos a pagar" dijo su marido.
Los GERSHOVITZ eran un matrimonio ruso de origen judio con pocos medios económicos que llegaron a Nueva York a finales del siglo XIX. Allí nacieron sus dos hijos y poco se podían imaginar sus progenitores, que el pequeño de la familia cambiaría la historia de la música americana. Sus hijos fueron conocidos mundialmente como IRA GERSHWIN (letrista) y GEORGE GERSHWIN (compositor).

El Pequeño Jacob Gershovitz (más tarde GEORGE GERSHWIN), ya sabía como abordar aquel instrumento puesto que en numerosas ocasiones había practicado con una pianola automática imitando sus movimientos, tal y como se representa en la película RHAPSODY IN BLUE: GERSHWIN , estrenada en 1945, en blanco y negro en la cual podemos ver las obras mas importantes compuestas por GEORGE GERSHWIN, tanto en género musical y comedia como los conciertos más serios y la ópera PORGY AND BESS.

Un compositor dotado de una gran creatividad, que supo fusionar la música clásica de origen europeo con la música popular y el jazz del pueblo americano, dando como resultado una nueva música de gran calidad, que ha servido de referente a todos los músicos de hoy en día.
Por desgracia se murió antes de cumplir los 40 años, aún así ha dejado un legado de composiciones originales que le ha convertido en el compositor americano más notable.

El siguiente vídeo corresponde a la película antes mencionada y su obra RHAPSODY IN BLUE, que comienza con el "glissando" más famoso interpretado por un clarinete. Un salto desde el rincón más oscuro que puede transmitir este instrumento hasta una explosión de brillo y luz semejante a un orgasmo, y seguido por un diálogo entre varios instrumentos como el trombón, la trompeta con sordina, el piano o el banjo acompañados por una orquesta sinfónica. Una obra brillante de la que se han hecho multitud de versiones y grabaciones.

EL FANTASMA DEL PARAISO

Hacía tiempo que no me reía tanto viendo una película y lo curioso es que está catalogada dentro de los géneros Terror y Musical, con lo cual supuestamente no debería de tener gracia, pero a mi me ha divertido un montón. Recuerdo vagamente haberla visto de muy pequeña y siento la sensación de que en aquel momento no provocó en mí ningún placer, más bien creo que no me gustó, pero con el paso de los años y después de haber vivido con intensidad la evolución musical de las últimas décadas, tengo otra visión totalmente diferente y ahora la considero una gran obra de arte.
El Fantasma del Paraiso es una película del controvertido director BRIAN DE PALMA, que cuenta la historia de un humilde pianista cantautor enfrentado a un poderoso y corrosivo magnate de la industria discográfica llamado SWAN, caracterizado por el actor y compositor PAUL WILLIAMS, el cual, además de encarnar al malo de la peli de una forma brillante compuso la banda sonora y contribuyó a engrandecer aún más el guión con canciones muy adecuadas para cada escena.

Se podría decir que es una versión de El Fantasma de la Ópera mezclada con Fausto (Goethe) y El Retrato de Dorian Gray ya que hay un fantasma, hay un pacto firmado con sangre al estilo de Fausto y Mefistófeles y también un cruel y malvado personaje que nunca envejece, como Dorian Gray.

Es una mezcla de musical de terror con comedia con una estética al mas puro estilo Glam Rock, típico de aquellos años con personajes muy descriptivos del mundo de la música . Destacaría el pequeño papel de "Beef" porque está logradísimo con sus movimientos en el escenario y el vestuario marcando "paquete", además de su forma de cantar. El papel de Winslow Leach, el pianista, es muy bueno, pero sobre todo
SWAN (el malo) es brillante.
SWAN es un magnate de la industria discográfica que está buscando música nueva para inaugurar un nuevo local llamado "Paraiso". Se fija en la música de un humilde pianista cantautor y decide apoderarse de ella con falsas promesas sin que el pianista se entere, al cual no dejan de sucederle desgracia tras desgracia hasta que decide vengarse.

La película es una gran crítica al funcionamiento de la industria discográfica, que según mi opinión se adelanta a su tiempo. Podéis descargarla en el emule o en taringa y también la hay en versión subtitulada.

La leyenda del pianista en el Océano

No tengo mucho tiempo para ver películas así que cuando decido ver alguna tiene que ser especial , que tenga una buena banda sonora, que me sorprenda el guión ,que me entretenga y que me deje un buen recuerdo.
Hace unos días me desperté a las 6 de la mañana porque no podía dormir , así que me levanté y encendí el portatil para revisar unos cuántos cds que tenía en el escritorio sin clasificar. Una de las ventajas de trabajar en una tienda de música es que muchos clientes y alumnos de la academia me regalan cds, películas y archivos que a veces me cuesta absorber por falta de tiempo. No todo lo que me regalan me gusta pero las intenciones las valoro mucho.
El caso es que el primer cd que cargué en el portátil tenía escrito a rotulador indeleble "La leyenda del Pianista en el Océano" ,y me pregunté ¿qué será esto y quién me lo habrá dado? No sabía si era un documental , un pdf , pluggins para el ordenador , una película..... la verdad que ni idea.
Al abrirlo ví que era una película de la que nunca había oído hablar. No tenía intención en ese momento de quedarme a ver una película y mucho menos en el portátil pero la dejé unos segundos para ver de qué se trataba, eso sí con una pierna fuera del asiento como dispuesta a irme en cualquier momento. Pero iban pasando los minutos y no podía dejar de verla. Me gustaba mucho la música , la estética de los decorados y los personajes que iban surgiendo así que sin perder de vista la pantalla cogí el portátil y me senté cómodamente en el sofá dispuesta a verla hasta el fin.
A las 7 y media se levantó mi hija y me miró con cara de incredulidad , ¿mamá que haces viendo una película a estas horas?. Es guapísima, fue todo lo que le contesté.

Ayer de noche la ví de nuevo dispuesta a averiguar si es tan buena como me pareció o se debía al efecto sorpresa del momento.
Sigue pareciéndome buenísima con una banda sonora que es la base fundamental de la película , llevada de principio a fin como si fuera una buena pieza de baile.
Un peliculón.
Cuelgo dos videos de youtube que me parecen muy buenos . El primero es el tema central de la película y el segundo es una escena muy simpática e ilustrativa.

También me parece muy importante destacar que la banda sonora es de ENNIO MORRICONE Y todas las interpretaciones de piano han sido grabadas por la gran pianista GILDA BUTTA.

MAURICE JARRE ha muerto

MAURICE JARRÉ el compositor francés de bandas sonoras tan emblemáticas como Doctor Zhivago, Lawrence de Arabia, El coleccionista, ¿Arde parís?, La hija de Ryan, Ghost, Un paseo por las nubes, etc... etc... etc... y así hasta 100 películas o más, ha muerto ayer de un cáncer que le había retirado de la escena pública hace 6 años.

Padre de otro gran músico como Jean Michel Jarré y ganador de 3 Oscar y varias nominaciones. Un gran compositor que nos ha dejado grandes bandas sonoras para los que amamos la música.
Descanse en paz.

CANDILEJAS

Genial película del maestro Charlie Chaplin y genial banda sonora compuesta por él mismo, la cual obtuvo un Oscar como mejor banda sonora 20 años después de su estreno.

Charlie Chaplin es un gran artista que a pesar de conseguir fama, reconocimiento y fortuna siempre se sintió pequeño y pobre, según nos da a entender en su libro "Mi autobiografía". Por suerte para nosotros nos dejó grandes obras que serán inmortales.

El tema principal de la película "Limelight" (Candilejas en español) es una composición exquisita , conmovedora, y muy bien construida musicalmente hablando. Una gran obra de arte de un violinista que triunfó como actor.

STEWART COPELAND

"The Leopard Son" es un documental cuya banda sonora ha sido compuesta por Stewart Copeland. No he visto el documental , pero no tardaré en conseguirlo porque me ha despertado la curiosidad después de escuchar esta magnífica composición musical.
No sabía que Copeland se dedicaba a escribir bandas sonoras , de hecho , no había escuchado nada de él fuera del grupo "The Police", pero me ha dejado asombrada y me ha llamado la atención la cantidad de trabajos que ha editado desde su primera banda sonora , la cual fue para la película "Rumble Fish" de Francis Ford Coppola(1983) , (nada menos que Coppola), pasando por composiciones para ballet y ópera y una infinidad de obras que ha compuesto en los últimos años, además de colaboraciones y producciones con otros artistas.
Más información en http://www.stewartcopeland.net/