L.E.V. entre el vintage y el aburrimiento.

 

Grand River y Robert Henke. L.E.V. Festival. Teatro de la Laboral, viernes, 28 de abril de 2023. 

No hay nada como saber venderse bien. Y eso es lo que hizo la compositora y diseñadora de sonido Aimée Portioli, que actúa con el apodo “Grand River”. Ella sola en el escenario, parapetada detrás de múltiples aparatos, se encargó de abrir el primer concierto del LEV Festival en el Teatro de la Laboral. Personalmente no recuerdo ninguna oferta del LEV tan soporífera. Y ya van ediciones. 

Vende su tercer trabajo “All Above”, como ”el más ambicioso y diverso” y lo define como “música electrónica experimental de gran riqueza emocional, atmosférica y rítmicamente compleja”. Pues bien. Yo creo que no tiene ninguna complejidad rítmica y mucho menos riqueza emocional, pues la única emoción que provocó fue el aburrimiento. Desconozco sus trabajos anteriores, pero si bombardear los oídos una y otra vez con una mínima gama de sonidos, jugando con poco más que los volúmenes, es ambicioso y diverso será que no manejamos el mismo diccionario. Y es que de momento no me da por tomar drogas para poder “disfrutar” de algo tan oscuro y monótono. En un espectáculo de más de una hora pueden salvarse los últimos minutos porque recuerda ligeramente a la banda sonora de “Interstellar” de Hans Zimmer. El resto nada, ni siquiera la parte visual estuvo entretenida.  Aún así, el público del LEV, que son gente muy educada, aplaudió, aunque con discreción. 

La ovación sincera se la llevó el alemán Robert Henke, con su performance en la que visualizamos y escuchamos la creación musical a través de un despliegue de cinco ordenadores Commodore CBM 8032, rescatados de los años 80’. Toda una lección didáctica en la que se pudo apreciar la complejidad de la programación y, porqué no, la belleza de lo vintage. Ese es el espíritu del LEV.  

Crítica publicada en La Nueva España

El cantaor Israel Fernández se gana el respeto de los más puristas

 

Israel Fernández, Gijón Sound Festival. Teatro de la Laboral, Gijón, 22 de abril de 2023.  

El Gijón Sound Festival, en su tendencia de abrir barreras hacia otros géneros musicales apuesta por Israel Fernández, la nueva sensación del cante flamenco. Muchos aficionados al género se dieron cita en el Teatro de la Laboral para escuchar la garganta de Israel fundida con la guitarra de Diego del Morao. Los dos solos en el escenario ofrecieron un concierto que se hunde en las raíces flamencas entre tientos y más tientos, pasando por bulerías, seguidillas o fandangos, entre otros palos. 

 Israel provoca ciertas suspicacias entre los más puristas y causa sensación entre los más modernos. De hecho, la mayor parte del público no había cumplido los cuarenta años. Si bien es cierto que el cantante nunca llega a desgarrar y, por tanto, tampoco consigue pellizcar, no hay duda de que  tiene una  preciosa voz con una técnica impecable y no se va de afinación ni una micra.  

Israel lo dio todo con su peculiar forma de cantar, pero lo más brillante fue la actuación de Diego del Morao. ¡Qué guitarrista! Los pelos como escarpias. Por algo está considerado uno de los mejores guitarristas flamencos de nuestros tiempos. Y vaya si lo es. Sus fraseos y su toque van mucho más allá del flamenco puro, amén de que la ecualización de la guitarra, superados los atisbos de acoples iniciales, quedó perfecta.

Israel Fernández ya es un primera figura del flamenco actual y aspira a ganarse el respeto entre la tradición. Desde luego, con colaboraciones como la de Diego del Morao está más cerca que nunca. 

Crítica publicada en La Nueva España

Otras sonoridades del acordeón

 Alejandro Ares. Sociedad Filarmónica de Gijón. Teatro de Jovellanos, 19 de abril de 2023.  

No es habitual escuchar recitales de acordeón con repertorio académico en el Teatro Jovellanos. Es más, haciendo memoria colectiva con los más veteranos de la Sociedad Filarmónica, solo se recuerda el del acordeonista Mika Väyrynen, una década atrás. El acordeón es un instrumento que rápidamente asociamos al repertorio tradicional y folklórico, sin embargo, la rápida evolución de este joven aerófono ha generado mucha y buena escritura académica en estos casi dos siglos de vida.  

El concertista y profesor Alejandro Ares fue el encargado de romper la sequía de recitales de acordeón  con un programa que comenzó en el barroco y terminó en pleno siglo XXI. De las transcripciones del repertorio también se encargó Ares y así pudimos escuchar un “Preludio y Fuga” de Bach, con el que fueron inevitables las comparativas. Sorprendieron las dos sonatas de Scarlatti: por su aporte expresivo me gustan más en acordeón que en clave.   

Ares dio un salto del barroco al siglo XX para ofrecer “Tres preludios vascos” del Padre Donostia, con gran exhibición y virtuosismo de sonoridad folklórica mezclada con romanticismo. Gustó mucho.

De la segunda parte destaca la “Fantasía para acordeón” de Fermín Gurbindo por sus infinitas posibilidades técnicas. Nunca hubiera imaginado que se podía hacer bending, entre otros efectos, con un acordeón. 

“Stela” de Pablo Moras fue muy interesante, pero se quedó corta de volumen para un auditorio como el del Jovellanos. No así la obra “De la luz sobre las cosas”, escrita especialmente para Ares, con la que se lució y dejó claro que el acordeón merece más visibilidad en la música de cámara. Sobre todo con músicos de la talla de Alejandro Ares.

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Ara Malikian, sin parar

 

“The Ara Malikian World Tour”. Teatro de la Laboral, sábado, 1 de abril de 2023. 

Nueva cita de Ara Malikian con pocas novedades, aunque hace un año por estas fechas anunciaba en el Teatro de la Laboral un parón en su carrera para componer temas nuevos. Tal parón no llegó y viendo su agenda de conciertos y los destinos para el resto del año, dudo que ocurra algún día. Aún así, no es un reproche. Malikian tiene tantas genialidades que se puede permitir tocar los mismos temas y contar las mismas historias una y otra vez. Siempre suenan a novedad.

Impecable la banda que le acompaña, como siempre, destacando al pianista Iván Melón. De su actuación destaca la apertura con la enérgica “Cosquillas a un mimo” (hasta su título tiene gracia) y la “Rapsodia Gijonesa”, con la que volvió a ganarse el cariño y la admiración de los asturianos. A este paso tendrá que fijar aquí una segunda residencia. 

Las aventuras de su tío Nono o sus experiencias en las “oficinas alienígenas” de Londres arreglando su visado, desataron las risas y el entusiasmo de los presentes que disfrutaron de su virtuosismo y su energía incansable.   

Del repertorio clásico rescató el “Preludio nº 4” de Chopin, más acertado el piano que el violín, y una miniatura de Dvorak con una fantástica interpretación. Brillante su nueva versión de “Misirlou” e impecable la “Nana arrugada”, con la que cerró el concierto para volver a comenzar de nuevo una hora más tarde y al día siguiente en Oviedo. Ara Malikian no para. ¿Qué comerá?

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El eterno Requiem de Verdi

Concierto Extraordinario de Semana Santa: OSPA, Coro de la Fundación Princesa de Asturias, Nuno Coelho (director), Adriana González (soprano), Silvia Tró (mezzosoprano), Pavel Petrov (tenor), Shenyang (bajo-barítono). Teatro Jovellanos, jueves, 30 de marzo. 

El Concierto Extraordinario de Semana Santa promovido por la OSPA, sorprende en el Jovellanos con el colosal Requiem de Verdi, una de las obras más monumentales del repertorio sinfónico-vocal escrita en honor al literato Alessandro Manzoni, por quien Verdi profesaba amistad y admiración. Todo estaba perfectamente engranado para subrayar la belleza de la partitura: la dirección entregada de Nuno Coelho, la OSPA crecida, el bien templado y afinado Coro de la Fundación, la buena elección de los solistas y, además,  las impecables notas al programa escritas por el musicólogo Jorge Trillo, que ofrecieron las claves para comprender la magnitud de la obra y poder disfrutar de cada uno de sus detalles.  

La partitura de los solistas es tremendamente exigente, sobre todo la de la voz para soprano, puesto que exige unas dinámicas que van desde los pianísimos más tenues hasta los fortísimos capaces de sobrepasar a toda la orquesta y coro a la vez. Un papel difícil solo a la altura de grandes voces y Adriana González cautivó al aforo lleno. ¡Qué fuerza, qué timbre, qué expresividad, qué afinación! Magnífica. También, Silvia Tró hizo una gran interpretación en la cuerda de mezzosoprano, empastando perfectamente con el resto de las voces y brillando en sus momentos solos. 

La nueva etapa de la OSPA, iniciada bajo la dirección del portugués Nuno Coelho, está dando sus frutos y los cambios ya se perciben en positivo. Muestra de ello es la selección de esta eterna obra, que si todo sale bien el público agradece con creces. Y así ha sido.

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Poesía hecha música POEX

 

“Poesía hecha Música”, Sociedad Filarmónica de Gijón. Teatro Jovellanos, miércoles 22 de marzo. 

Poesía y Música son dos artes paralelas que en ocasiones se unen para sumar, como es el caso del concierto organizado por la Sociedad Filarmónica en colaboración con la cuarta edición del Festival de Poesía (POEX) de Gijón.  El trío formado por Carmen Paula Romero (soprano), Ángel Belda (clarinete) y Viviana Salisi (piano), se encargó de ofrecer una velada con propuestas originales que fusionaron las partituras de Marcel Olm, Schubert, Lorenzo Palomo, Guastavino y Salazar con las poesías de Francisco Álvarez Velasco, Juan Ramón Jiménez y León Benarós. 

Después de interpretar la “Nana para luna” de Olm tuvo lugar el estreno absoluto de “Rubiana” para voz y clarinete, un mosaico de siete movimientos que nos haría falta una segunda escucha para apreciar toda su belleza. “El pastor en la roca”, lied póstumo de Schubert que trata de la desesperación por estar separado de la persona amada, fue la obra que más ovación recibió: el piano estuvo muy firme y el clarinete excelente. La voz de Carmen Paula es muy bonita, con buena dicción, muy ágil en dinámicas y gran cuerpo en el registro medio, sin embargo, en los agudos no brilla lo necesario.

En la segunda parte pudimos escuchar otra tanda de joyas, comenzando por los “Cantos del alma” con textos de Juan Ramón Jiménez. Bravo por el clarinete en el “¡Pájaro del agua!” y bravo por la composición de “Los palacios blancos”, que trata la muerte de un niño con dulzura y respeto. Las “Flores argentinas” de Guastavino junto con las piezas de Salazar también resultaron atractivas y muy bien interpretadas por el trío. En definitiva, una velada de música y poesía que encantó a los asistentes por su belleza y singularidad.

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Las cosas del Kanka

 

El Kanka: Gira “Cosas de los vivientes”. Teatro de la Laboral, sábado, 18 de marzo de 2023.

 Juan Gómez, a quien le gusta firmar como “El Kanka”, ha convertido Gijón en cita obligada cada vez que inicia una nueva gira, y en esta ocasión su nuevo disco “Cosas de los vivientes” era la excusa. Un discazo, diría yo. El cantautor ha sabido construir una carrera profesional muy solvente a lo largo de quince años en los escenarios, a base de hacer canciones pegadizas con buenas letras, unas más afortunadas que otras, sin embargo, la mayor parte de “Cosas de los vivientes” han llegado para quedarse como clásicos de sus giras. Si no, al tiempo. 

De los temas antiguos que sonaron en el escenario de la Laboral me quedo con “Volar”, ese ritmo de vals que cantó con Rozalén en su día, o “Guapos y guapas”, en la que se montaron una especie de tablao flamenco con brindis incluido, y que después de varios temas resolvieron con una escenografía original y divertida. También, muy reseñable la simpática “Lo mal que estoy y lo poco que me quejo”; hay que ver lo rapidísimo que recita algunas estrofas y lo bien que vocaliza el malagueño.  

Del repertorio nuevo comenzó definiéndose a sí mismo con “Autorretrato”. Poeta de los pies a la cabeza, hasta las presentaciones fueron en verso. Y también en verso nos recordó lo aburrida que es la perfección en “Propósitos de Año Nuevo”, y que “Tú opinión”, con soniquete de O’Funk’illo,  le importa un pito: buen tema y muy buenos arreglos.  

En definitiva, el Teatro de la Laboral ya va justo de butacas para el público de “El Kanka” y si sigue haciendo discos como este último, me temo que habrá que buscarle nueva ubicación. No es fácil plasmar en forma de canción cosas cotidianas o “Cosas de los vivientes” con tanto arte.

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El Niemeyer rendido ante Víctor Manuel

 

Víctor Manuel, Tour 75 Aniversario: “La vida en canciones”. Centro Niemeyer, Avilés, 17 de marzo de 2023.  

A pesar de las dificultades que tiene Víctor Manuel para mantener la voz medio templada y lograr afinar unas melodías que él mismo ha creado y que ha cantado reiteradas veces (nunca fue su fuerte), sus conciertos despiertan tal interés que agota las entradas allá por donde va. Y más si el motivo de la gira es algo tan emblemático como la celebración de su 75 Aniversario, haciendo un repaso por muchas de las canciones que ha grabado a fuego en la memoria de varias generaciones y constituyen la vida de un cantautor que ha marcado una época.  

El equipo técnico hizo bien su trabajo y el sonido estuvo espectacular arropado por seis músicos de primera, destacando la labor del multiinstrumentista Santi Ibarretxe. Ofrecieron un concierto de más de dos horas en las que brillaron algunos arreglos con aires nuevos, como en “Nada sabe tan dulce como su boca”, “El abuelo Vítor” o “En la planta 14”. Víctor Manuel estuvo cercano con su público fiel, adornando cada canción con historias creativas y cercanas que lograban tocar la fibra de los presentes: sirva como ejemplo el motivo que le llevó a escribir “Solo pienso en tí”, la canción que más alegrías le ha dado.

Más de dos horas y casi una treintena de canciones seleccionadas inteligentemente para hurgar en el recuerdo y en la emoción, pusieron al auditorio del Niemeyer a los pies del asturiano una vez más con una tremenda ovación. Porque no hay nada como jugar en casa y Víctor Manuel ostenta el honor de ser el artista más importante de nuestra comunidad. Merecido honor por todo lo que nos ha aportado, por lo tanto, larga vida a Víctor Manuel y a por otros 75. 

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La OSPA se crece con el Cuarteto Quiroga

 

Cuarteto Quiroga y Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias. Teatro Jovellanos, jueves, 16 de marzo de 2023.

“El cuarteto ampliado” es el título del programa ofrecido por el Cuarteto Quiroga junto con la sección de cuerda de la OSPA, en uno de los conciertos de abono más esperados de la temporada. El título da en el clavo, pues las cuatro cuerdas del cuarteto eran ampliadas sustancialmente por  los intérpretes de la OSPA con sus respectivos instrumentos, y si estamos acostumbrados a percibir las meticulosas precisiones del Cuarteto Quiroga en sus conciertos de cámara, imagínense el lance para todos los presentes en el escenario del Jovellanos: se crecieron sustancialmente, dando como resultado un concierto memorable.

El programa seleccionado ayudó al espectador a sumergirse en unas sonoridades que van más allá del intelecto y tocan profundamente la emoción. Comenzaron con el breve e intenso “Adagio” de Samuel Barber, cuya atracción fue plasmada varias veces en el cine para reflejar la tristeza e incluso la desolación. Pieza bellísima que requiere de mucho control para no caer en la superficialidad, con un resultado exquisito por parte de todos los intérpretes. 

Continuaron con el “Cuarteto de cuerda nº 8” de Shostakovich, dedicado por el autor a las víctimas del fascismo y de la guerra: una pieza estructurada en cinco movimientos cuya interpretación fue fabulosa, destacando el enérgico segundo movimiento. 

Para rematar la belleza del programa, “La muerte y la doncella” de Schubert, en versión orquestada por Mahler. El Cuarteto Quiroga y la OSPA se fundieron en una riqueza de matices y detalles que el numeroso público agradeció aplaudiendo a rabiar. Y es que el Cuarteto Quiroga es uno de los mejores del mundo y la cuerda de la OSPA, ante un reto así, sabe estar a la altura. 

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La unión de tres astros

 

Soyoung Yoon (violín), Nadège Rochat (violonchelo), Judith Jáuregui (piano). Sociedad Filarmónica de Gijón, Teatro Jovellanos, miércoles 8 de marzo de 2023. 

Tres solistas con carreras individuales más que consolidadas se han unido en formato trío para ofrecer un concierto con mucha amplitud de miras, coincidiendo con el “Día Internacional de la Mujer”. El repertorio seleccionado requiere gran técnica, conocimiento, sensibilidad y, sobre todo, mucha madurez. Reto difícil donde los haya, pero estamos contando con una violinista de la talla de Soyoung Yoon, que brilla como solista con las mejores orquestas del mundo, y otro tanto podemos decir de la chelista Nadége Rochat y la pianista Judith Jáuregui, de cuyas habilidades disfrutamos en el Jovellanos en temporadas pasadas con otras formaciones. La propuesta de unión de estos tres astros de la interpretación prometía y deslumbró.   

Comenzaron con Debussy y su “Trío para piano en sol mayor”, donde pudimos apreciar distintas personalidades que saben dialogar con madurez, destacando la fluidez y el enriquecimiento del lenguaje entre las tres intérpretes, sobre todo en el tercer movimiento. Con esta obra ya no necesitábamos más pruebas de la buena química que hay entre Rochat, Yoon y Jáuregui, pero hubo más. Si Debussy gustó mucho la obra de Arensky causó sensación. Arensky tiene verdaderas joyas como el “Trío para piano nº 1”, que bien se podía haber convertido en un concierto para piano por la dificultad y el brillo del instrumento en las manos de Jáuregui.  

Para la segunda parte dejaron un trío de Brahms, donde las tres estuvieron a la altura que requiere una obra de esta envergadura, destacando la conjunción  del chelo y del violín. 

Soyoung Yoon, Nadège Rochat y Judith Jáuregui no solo ejecutan bien todo lo que pone la partitura. Ellas tienen una tremenda personalidad que vuelcan sobre sus instrumentos, dando vida a las obras que tocan e impactando al oyente, hasta el punto de ofrecer el mejor concierto de la temporada hasta el momento, según mi criterio. Y, además (sirva como chascarrillo a las críticas sobre féminas), las tres llevaban “vestidos monísimos”. 

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Cuarenta años de Ilegales

 

Ilegales: Gira “La lucha por la vida”. Sala Albéniz de Gijón, viernes, 25 de febrero de 2023.

Quién iba a imaginar que la banda “Ilegales” podría sobrevivir después de cuarenta años azotando con sus letras y sus ronquidos guitarreros a una sociedad medio acomodada y un tanto mojigata, que se escandalizaba con versos extraídos de títulos como “Puta” o “Heil, Hitler”, amén de los discursos provocadores y esperpénticos del frontman Jorge Martínez, quien tenía por costumbre arremeter contra el establishment y evidenciar los problemas más candentes. Y va a ser que después de varios cambios de músicos y algún que otro tumbo musical -véase su etapa de Los Magníficos-, siguen al pie del cañón, manteniendo fieles seguidores que llenan los recintos para escuchar canciones atemporales como “Enamorados de Varsovia” u originalidades del punk como “Soy un macarra” y “Destruye”. Claro que también tienen algunas insulsas como “Princesa”, “Divino Imbécil” o sus experimentos con el Techno punk. 

La Sala Albéniz, abarrotada durante dos días consecutivos para escuchar el último álbum titulado “La lucha por la vida”, en el que participan grandes  artistas  como M Clan, Luz Casal, Dani Martín, Loquillo o Coque Malla, entre otros. En el concierto hubo poco de lo nuevo, aún así “Ilegales” siguen tan frescos y sorprenden con canciones como “Nunca lo repitas en voz alta”, a medio camino entre Bunbury y un León Benavente descafeinado. 

Treinta y dos canciones  sonaron  dignamente una tras otra, aunque faltó más interacción y algún discurso más prolongado y elaborado y no solo un breve saludo y una despedida deseando “que el infierno nos espere largos años y la muerte nos perdone nuestra ausencia". Bien, pues que así sea. Y a esperar al próximo recinto que, quizás, si es de mayor tamaño igual hay más esmero. 

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Willard Carter: una nueva promesa para el chelo

 

Willard Carter (violonchelo), Sociedad Filarmónica de Gijón. Teatro Jovellanos, miércoles, 22 de febrero de 2023. 

El violonchelista británico Willard Carter obtuvo el Primer Premio del XXIII Concurso Internacional de Música “Villa de Llanes”, razón por la que la Sociedad Filarmónica de Gijón, en colaboración con la “Fundación Alvargonzález”, lo incluye en su programación de conciertos. Y ha sido todo un acierto, porque con tan solo veinte años Carter es un músico dotado de una técnica, expresividad y calidad sorprendente.

La primera obra fue un paseo dulce y agradable en las manos de Carter, pues no deja de ser un “Divertimento” compuesto por Haydn para el príncipe Esterhazy, estructurado en tres movimientos, cuya complejidad estriba en la buena dicción del fraseo.  

Carter da un salto espectacular en cuanto a dificultad al interpretar la “Sonata para violonchelo y piano en Re mayor n.º2, op.58” de Felix Mendelssohn. Acompañado por el pianista ucraniano Vadim Gladkov el público disfrutó de una obra en la que dependiendo de los intérpretes el protagonismo puede recaer en cualquiera de los dos instrumentos, pues el piano también tiene una partitura compleja y lucida. En esta ocasión Gladkov cedió la palabra a Carter y se limitó a acompañar con una buena ejecución. Excelente obra y magnífica interpretación por ambas partes.

Tras la pausa, Carter se quedó solo en el escenario para ofrecer la “Suite para violonchelo solo n.º1 op. 72”, una obra arriesgada escrita por Benjamin Britten que trasciende las técnicas puramente violonchelistas y convierte al instrumento en artífice de percusiones, voces e incluso una gaita con roncón inclusive. Todo esto y más escuchamos en esta obra magníficamente interpretada. 

La obra de Tedesco y su versión de “Fígaro” cargada de buen humor, puso fin a un recital  que dejó al público sorprendido, pues Willard Carter está llamado a ser uno de los grandes del violonchelo.  

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Franco Broggi: otras músicas argentinas

 

Franco Broggi: “Ciclo de Jóvenes Intérpretes Fundación Alvargonzález”,Sociedad Filarmónica de Gijón, miércoles, 25 de enero de 2022.

La Sociedad Filarmónica de Gijón apuesta por expandir el repertorio tradicional de las salas de concierto y se acerca al nacionalismo argentino al contar con la presencia  de Franco Broggi, un joven pianista con mucho talento y comprometido con sus raíces. Broggi dio vida a piezas de los compositores más relevantes que dotaron de identidad musical a su país, pues Argentina no es solo tango o milonga.

El recital se inició con una pieza de Alberto Williams, considerado uno de los impulsores del nacionalismo musical argentino junto con Julián Aguirre, cuya música también estuvo presente en las manos de Broggi. Interpretación un tanto fría que salvó con la “Sonatina en sol menor” del santafesino Carlos Guastavino, otra figura clave en el desarrollo del nacionalismo argentino. La primera parte se completó con “Evocaciones Líricas” del compositor Hugo Fernández Languasco, quien honró la sala con su presencia entre el público.

El pianista subió el nivel notablemente en la segunda parte del recital, comenzando con una magnífica interpretación de la preciosa pieza “Las Niñas”, también de Guastavino, en la que demostró su talento para el lirismo. Quizás donde más se lució fue en la mezcla de músicas y culturas de Alberto Ginastera que plasmó en su “Sonata n.º1”, inspirada en las pampas argentinas, con técnicas que recuerdan a Bartok o Stravinsky: una obra de enorme dificultad que Broggi bordó. 

Cerró por todo lo alto con “Adiós Nonino” de  Piazzola y como propina el “Bailecito” de Guastavino. Desconozco cuántos argentinos había en la sala, pero los que estaban se fueron orgullosos del legado de su música y de  su continuidad a través de un joven pianista que con veintisiete años está llamado al éxito. 

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Reviviendo a Mecano

 Homenaje a Mecano “Me Cuesta Tanto Olvidarte”. Sala Albéniz, Gijón, 14 de enero, 2023.

Varios son los grupos que rinden tributo al grupo Mecano desde su desaparición en la década de los noventa, sin embargo, ninguno cuenta con una cantante con tanto  parecido físico y vocal de la líder como el que se hace llamar “Me cuesta tanto olvidarte”. La cantante y bailarina Belén Alarcón clava la puesta en escena de Ana Torroja  imitando su vestuario, sus coreografías y sus contoneos de hombros y cabeza fielmente en cada canción. No se puede decir lo mismo del resto de músicos que acompañan, pues ninguno se parece a los hermanos Cano, sobre todo a Nacho con sus icónicas poses parapetado por torres de teclados, aunque musicalmente reproducen cada nota y cada sonido de todas las canciones que llevan en la gira.

  

Como es habitual en la sala Albéniz el sonido no fue nada bueno: aunque se intentó minimizar el impacto de la batería mediante mamparas seguía estando alta, la voz demasiado baja con muchos problemas de acoples, la ecualización sin definición, etc. Nada de eso importaba.  El éxito del concierto estaba asegurado, pues con Mecano hay una amplia generación de seguidores que aprendió a memorizar los elementos químicos del “Aire”, el significado de “Descanso Dominical”, donde están Hawaii y Bombay o que “No hay marcha en Nueva York”. Cada una de las canciones eran coreadas por la sala abarrotada y las caras de los presentes reflejaban la satisfacción de poder viajar a través del tiempo con una banda tributo que creo que merece la pena escuchar en otros auditorios más audibles.

Nina Simone en versión Góspel

 

“Harlem Gospel Choir”, Festival “Grandes del Gospel”. Teatro Jovellanos, sábado, 17 de diciembre de 2022. 

La cita del gospel en Gijón volvió a contar con los neoyorquinos “Harlem Gospel Choir” y una vez más triunfaron con su peculiaridad de hacer tributos a grandes artistas vinculados a las iglesias negras y combinar éxitos comerciales con clásicos del gospel. En 2017 visitaron por última vez el Jovellanos rindiendo homenaje a Beyoncé y en esta ocasión eligieron a Nina Simone y sus grandes hits.

Nueve voces de incuestionable calidad, arropadas por un batería y un teclista, se ganaron grandes ovaciones del teatro abarrotado a base de simpatía e interacción constante con el público. Del repertorio escogido destacó la versión de “Feeling Good”, cantada por la imponente voz de Julian y “Don’t Let Me Be Misunderstood”, en la tesitura contralto de Kiara, cuyos graves casi igualaban a los de Nina Simone. “Ne me quitte pas”, grabada por Simone para su icónico álbum “I Put A Spell On You” de 1965, fue interpretada en esta ocasión por Carolinne en una original versión gospel que puso al público en pie. 

Esta formación tiene mucha experiencia en los escenarios y saben escoger y ordenar el repertorio para mantener una fiesta constante y la única pega que se les puede poner es en cuanto a instrumentación. El teclista se encarga de tocar el piano con la mano derecha, dejando la izquierda para hacer los bajos, muy bien, dicho sea de paso. La cuestión es que para solventar el hipotético vacío utiliza sonidos de cuerdas a modo de colchón para rellenar y lo que consigue es un efecto sonoro muy monótono y pasado de moda. Creo que una agrupación de este nivel se puede permitir más músicos. Por lo demás, son geniales.

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The Black Heritage Choir: recordando a Aretha Franklin

 “The Black Heritage Choir”, Festival Grandes del Gospel. Teatro Jovellanos, 16 de diciembre de 2022. 

Tanto en el soul como en el góspel, la voz de Aretha Franklin es inimitable y no tiene parangón. En mi opinión, nadie consigue igualar tal calidad vocal en timbre, en tesitura y, por supuesto, en técnica. Su doble álbum “Amazing Grace” grabado en 1972, precisamente en una etapa en la que su voz gozaba del máximo esplendor, se convirtió en el disco de más éxito y el más vendido de todos los tiempos dentro del género góspel. Cincuenta años después, es de justicia que se rinda homenaje a esta joya de la música, sin embargo, no es fácil acometer tal envergadura, ¿quién se atreve a cantar por Aretha sin que surjan las comparaciones? “The Black Heritage Choir”, formado por una selección de las mejores voces integrantes del “Mississippi Máss Choir”, es la excepción.

El público fue fiel a la cita “Grandes del Gospel” una vez más y abarrotó el Jovellanos para escuchar casi íntegro el álbum “Amazing Grace”, al que se añadió el tema de Otis Redding “Respect”, convertido por Aretha en un símbolo feminista con su nueva adaptación, y “Oh, Happy Day”, como no podía ser de otra forma para finalizar el concierto. 

La formación instrumental cumplió su función. La parte coral fue brillante en afinación, dinámicas y sobre todo en empaste, manifestando la dilatada experiencia. En cuanto a los solistas, varias voces compartieron protagonismo, destacando a Katie Graham y, sobre todo, Sheila Ramsey, que estuvo divina y brillante. 

Ha sido muy inteligente no dejar todo el peso vocal en una sola protagonista y así evitar comparaciones con la mejor voz de todos los tiempos. “The Black Heritage Choir” han hecho un homenaje merecido y bien ejecutado. 

Crítica publicada en La Nueva España

La audacia de Noelia Rodriles.

 

Sociedad Filarmónica de Gijón. Teatro Jovellanos, miércoles, 7 de diciembre de 2022. 

De las manos de la pianista asturiana Noelia Rodiles tuvimos ocasión de escuchar un

combinado en el que se mezclaron piezas muy famosas de Schubert con obras prácticamente

olvidadas o desconocidas de autores como Martín Sánchez Allú, Jesús Rueda o Benjamín

Orbón. Un magnífico recital que confirmó la buena técnica de la pianista y contribuyó a situar

a la Sociedad Filarmónica de Gijón entre las mejores programaciones de música de cámara

que tenemos en el país. 

Comenzó con la “Sonata para piano op. 1” de Sánchez Allú, una obra rescatada por Rodiles a

través de un proyecto de la Fundación Juan March, compuesta en pleno romanticismo (1853),

sin embargo, de corte totalmente clásico.  Estuvo bien para entrar en calor, pero fue la

“Sonata nº 5” de Jesús Rueda la que dejó a los espectadores con la respiración contenida.

Compuesta por encargo de Rodiles e inspirada en los “Papillons” de Schumann, aunaba en

sus tres movimientos sonoridades de Ravel, Debussy o Poulenc y representaba la ligereza y

el caos provocado por el “efecto mariposa”. Una gran composición y una interpretación

sublime que merece la pena escuchar de nuevo. 

Tras la pausa, tiempo de relax y dulzor para escuchar “Seis momentos musicales” de

Franz Schubert: composición prodigiosamente inspirada y bien interpretada por la pianista.  

Los aplausos dieron lugar a dos propinas: una famosa pieza de “Orfeo et Eurídice” de Gluck

y la “Rapsodia asturiana” de Benjamín Orbón, esta última totalmente desconocida y de gran

belleza y calidad.

Lo mejor de Noelia Rodiles es saber combinar bien su repertorio para agradar al público con

clásicos y descubrir obras olvidadas. Una pianista muy audaz. 

Crítica publicada en La Nueva España

Mapi Quintana: “Música pa tornar pájaros”

 Mapi Quintana: “Música pa tornar pájaros”. Teatro de la Laboral, sábado 3 de diciembre de 2022. 

Me va a faltar espacio para resaltar las buenas ideas y la cantidad de matices que imprimió Mapi Quintana a su espectáculo “Música pa tornar pájaros”, estrenado por primera vez en Asturias este sábado frente a un numeroso público. La cantante y compositora asturiana volcó su capacidad creativa en un repertorio que fue compuesto especialmente por encargo del Principado para el concierto inaugural del “Festival Intercéltico de Lorient”, en el que Asturias fue la invitada de honor. Mapi Quintana se rodeó de grandes músicos para recrear canciones en las que fusiona jazz, impresionismo y canción asturiana, en una amalgama de sonoridades que encajan perfectamente y sitúan a la compositora en la élite asturiana. 

El piano de César Latorre, magnífico como siempre, daba paso a una armonización a tres voces compleja y bien afinada por la protagonista junto con Sonia Cartón y María Sanmiguel en “Vivir en la Montaña”. El repertorio avanzaba con destacados temas como “Saile”, en honor a su compañero fallecido Elías García, con una magnífica intervención de trompeta con sordina de Thomas Welvaadt y la percusión de Juanjo Díaz. 

Un ejemplo de creatividad fue “Ornitólogo de guardia”, basada en la transcripción del canto de algunos pájaros como habían hecho grandes compositores, como el finlandés Rautavaara y especialmente Oliver Messiaen.  Una muestra de que el nivel cultural y musical de Mapi Quintana está muy arriba. 

En definitiva, con este concierto se confirma que en Asturias tenemos grandes músicos que hay que cuidar para que no tengan que emigrar y  encargos como este son muy necesarios. 

Crítica publicada en La Nueva España

Buenas sensaciones con Andrea Motis

 Andrea Motis, Festival “Jazz Xixón”. Teatro Jovellanos, sábado, 26 de noviembre de 2022.

Con solo veintisiete años Andrea Motis es la sensación del jazz y una de las promesas más internacionales que tenemos en el país. Diez álbumes propios, muchas colaboraciones con proyectos de otros artistas y hasta un documental centrado en su figura, avalan su trayectoria iniciada en plena adolescencia. Con su último álbum da un paso más y experimenta con una amalgama de sonoridades y ritmos eclécticos que unifica bajo el título “Loopholes”.

Lo pudimos comprobar en el Jovellanos, ganándose al numeroso público desde el primer tema con su afinada voz, sus trabajadas melodías con la trompeta y las curiosas composiciones en las que mostró mucha creatividad y técnicas diferentes: voces procesadas, fraseos contrapuntísticos entre trompeta y violín utilizando dobles cuerdas, etc.  Arropada por un pedazo de banda de nivel las improvisaciones fluían, destacando temas como “Overture”, “Deixa’t anar” o la propia “Loopholes”. 

En mi opinión sobra la enésima versión de “Summertime” (igual de manida que “Oh Happy Day” en los festivales de góspel) y la cumbia “El Pescador”. Esta última resultó un pastiche con la que consiguió la complicidad de los presentes, pero sin ninguna gracia para mi gusto ¿Qué pinta una cumbia en medio de temazos como “Calima”, “I had to write a song for you” o la fantástica versión del reggae de Bob Marley “Is This Love”? Parecía un corte publicitario en medio de una gran película.

Por lo demás, un concierto que deja buenas sensaciones y mucho feedback entre escenario y butaca. Para repetir.  

Crítica publicada en La Nueva España 

Quiroga, un cuarteto muy solvente

Cuarteto Quiroga, Sociedad Filarmónica de Gijón. Teatro Jovellanos, 19 de octubre de 2022. El segundo concierto de la temporada de la Sociedad Filarmónica contó con la presencia del Cuarteto Quiroga, una de las formaciones más afamadas de nuestro panorama musical, merecidamente. Tal es la compenetración de los cuatro componentes que para disfrutar de uno de sus conciertos conviene situarse en las primeras filas de la butaca y captar cómo respiran acompasados según va fluyendo la partitura, y en esta ocasión aún más si cabe, puesto que el programa presentaba los dos cuartetos Op. 51 de Johannes Brahms, dos auténticas obras de arte del repertorio cuartetístico. Estas dos obras ya fueron grabadas por el conjunto y publicadas en noviembre del 2015 bajo el título “Frei Aber Einsam” (Libre pero solitario), por lo tanto, es un repertorio que dominan hasta el punto de extraer detalles casi imperceptibles. Aitor Hevia (primer violín), Cibrán Sierra (segundo violín) Josep Puchades (viola) y Helena Poggio (violonchelo) le dieron la vuelta a la tortilla y comenzaron su interpretación en orden inverso cronológicamente hablando, iniciando la primera parte del programa con la segunda obra, el “Cuarteto de cuerda en la menor, op. 51 n. º 2” y dejando para la segunda parte el Cuarteto de cuerda en do menor, op. 51 n. º 1“. Hay quien apunta que el segundo cuarteto fue estrenado antes que el primero, sea como fuere es un acierto para el auditorio ya que, si bien el segundo cuarteto es una obra fascinante su mayor extensión y la densidad de sus texturas la hace menos comercial que el “Cuarteto nº 1”. De la interpretación del segundo cuarteto, compuesto por Brahms durante un retiro estival y dedicado a su amigo Joseph Joachim, destacamos la interpretación del Andante moderato y del Quasi Minuetto: los Quiroga trabajan las dinámicas de una manera tan refinada que hacen contener el aire. Tras la pausa tuvo lugar la interpretación del “Op. 51 nº 1” y de nuevo brilló la técnica y el dominio del lenguaje para sacar adelante una partitura estructurada en cuatro movimientos con un final Allegro y brillante. La sonora ovación provocó una dulce propina y siguiendo con Brahms interpretaron “In Stiller Nacht” (La Noche Callada), una versión de una canción tradicional alemana con la que el Cuarteto Quiroga se despidió por todo lo alto del Teatro Jovellanos. No será por mucho tiempo, puesto que su calidad interpretativa es tal que se hará todo lo posible por traerlos de vuelta. Crítica publicada en La Nueva España