Un ingenioso gato para despedir FETEN

Feten apuesta por un espectáculo donde música, danza, teatro, escenografía, video-mapping y grandes dosis de buena voluntad y entusiasmo se unen para darle vida al gato más famoso de los cuentos recopilados por Perrault. La partitura corresponde a Rogelio Groba, un compositor gallego cuya firma abarca más de 600 obras de una gran variedad de géneros musicales. Para esta producción se acude a una partitura sinfónica, inédita, titulada "El Gato con Botas" y a una adaptación literaria del cuento de Perrault a cargo de Manrique Fernández.

El estreno tuvo lugar en noviembre del 2014 en el teatro Colón de La Coruña y, pocos meses después, el teatro Jovellanos se viste de gala, con un lleno total, para clausurar la vigésimo cuarta Feria de Teatro Feten, organizado por la Fundación Municipal de Cultura de Gijón. Los protagonistas son los niños y las niñas ávidos de disfrutar de una función que se anuncia como ópera para niños, aunque considero que ese término no encaja con lo visto.

En el centro del escenario la Orquesta de Cámara Galega, formada por 18 músicos y dirigida por Rogelio Groba (hijo), da comienzo a la obra con una obertura musical a modo de fanfarria. Mientras, dos bailarinas recorren el escenario de un lado a otro y un texto impreso en un gigante libro, proyectado en el fondo del escenario, nos sitúa en el contexto en el que se va a desarrollar la acción.

La primera conversación entre el gato y su amo está ambientada por una partitura que describe, por un lado la tristeza en la que se halla sumido el "futuro" Marqués de Carabás y, por otro, las ideas ingeniosas del gato (muy alto, por cierto) ¿cómo lo hacen? Creando contraste entre las cuerdas en agudo y la sección de metal en grave para darle tensión y suspense a las intervenciones de un felino dotado de gran ingenio y picardía. Así, la orquesta deja claro desde el primer momento cuál es su función: dar vida a los pensamientos, al estado de ánimo y a la clase social de los personajes que van apareciendo en la escena. Música correcta (aunque poco original) y llena de tópicos que funcionan.

La obra está concebida para unos actores y actrices que interactúan en varias ocasiones con un público entregado y con ganas de pasárselo bien. Y lo consiguen a base de una buena interpretación por su parte, supliendo las escasas dotes líricas de las voces.

El video-mapping sustituye a los habituales grandes decorados teatrales y se encarga de ambientar las diferentes escenas y lugares por los que transcurre la historia de la azarosa vida del gato y su amo. Todo esto, junto con un vestuario bien diseñado para la ocasión y la participación del público más sincero y crítico, sumerge al espectador, durante 55 minutos, en una fantástica historia atemporal.

Por Mar Norlander para La Nueva España

Cultura de masas ¿mala?

Umberto Eco, para ilustrar su pensamiento sobre los movimientos pop y la cultura de masas, en los años 60', contaba en una entrevista lo siguiente: Picasso acababa  de terminar el retrato de Gertrude Stein y alguien le objetó que no se parecía a su modelo.  Picasso contestó: “Ya se le parecerá”. Con ello no quería decir que Gertrude Stein envejecería  o cambiaría para llegar a parecerse a su cuadro; quería decir que, desde aquel momento, los demás empezarían a  ver a Gertrude Stein  a través del filtro de su cuadro, con lo cual las semejanzas se habrían establecido.

Numerosos teóricos, filósofos, sociólogos, economistas….han hablado y escrito cientos de páginas sobre  lo que se conoce como  “Cultura de Masas” a lo largo del siglo XX.  Las posturas han ido  oscilando a favor y en contra a lo largo de las décadas, si bien es cierto que en un primer momento, con las teorías de Adorno,  los  argumentos  eran radicalmente opuestos a esta cultura emergente, según han pasado los años parece que se han suavizado,  y ya las últimas opiniones tienden a ver  más elementos positivos que negativos.  

La industria musical tiene poder para manipular los gustos  de los consumidores,  en base a una rentabilidad económica, -objetivo final  del mercado en una  sociedad capitalista-.  Su capacidad para fabricar a escala masiva productos, ideas,  estéticas,  estilos, sueños e ilusiones  provoca -en numerosos casos- una tendencia a la estandarización y a la repetición de productos que “funcionan”. 

Picasso  plasmó en el lienzo  una serie de rasgos  de la fisonomía de Gertrude Stein,  destacando lo que le parecía más conveniente y desechando otros rasgos que, quizá para otros ojos serían más destacables.  La industria musical  también plasma  en sus productos finales una serie de rasgos  que definen un estilo, sub-estilo, género  o tendencia, y al mismo tiempo desechan otros rasgos.   Entonces  ¿Qué diferencia hay entre Picasso y la industria musical? En su forma de proceder ninguna, diría yo,  pero la diferencia  más importante está en los criterios, puesto que Picasso lo hace según su propio criterio y la industria musical actúa en base a cuotas de mercado. Pero, ¿estamos   seguros de que Picasso no actuaba igual que la industria musical (en base a cuotas de mercado)? La respuesta es sí, estamos seguros,  porque si no fuera así no sería el gran genio creador español.  Y si es así ¿por qué contestó “Ya se le parecerá”?

Hay una tendencia generalizada a pensar que detrás de la industria musical, creadora de culturas y de productos para las masas, existen mentes oscuras  y malévolas con una única finalidad: enriquecerse económicamente a costa de la “masa” pasiva y sin capacidad para pensar. Y tendemos a olvidarnos de que detrás de todo esto también hay “genios creadores” que no firman su producto con su propio nombre, sino que lo hacen a través del sello de una discográfica, pero no por ello son menos geniales y menos creativos. 

Por otro lado, si bien es cierto que una parte de la sociedad, “masa”, no tiene criterios de selección  y actúa de forma pasiva, consumiendo “lo que le echen”, nos olvidamos de que la norma de nuestro tiempo se basa en la diversificación,  la cual ha inundado todos los campos de la cultura: las plataformas multimedia (spotify, itunes, youtube…),  las revistas especializadas, los  canales de televisión, la infinidad de  emisoras de radio,  la oferta cultural que se desarrolla en cada ciudad o pueblo,... Según  un artículo de la revista Rolling Stone, (creo que fue publicado en el 2010), cada año se graban y editan una media de 250.000 discos y la tendencia va aumentando exponencialmente con los años.   Esto ha hecho que los consumidores hayan logrado una autonomía suficiente para que no sean manipulados, si no quieren serlo. Lo que está claro es que en sus manos tienen la última decisión.  

Los detractores de la cultura de masas suelen formular sus teorías en base a los mismos o similares argumentos: el consumidor pasivo, la mano negra manipuladora de la industria, la ignorancia de la masa… “La cultura vulgar contemporánea es brutal y perturbadora”  decía Leslie Fiedler en  The Middle Against Both Ends, (1957).

 Creo que respecto a esto no deberíamos olvidarnos de que todos pertenecemos a la masa y todos formamos parte de ella en muchas de sus facetas. Puede que yo sepa algo de música y, por lo tanto,  sea muy selectiva a la hora de escuchar lo que quiero, pero tan sólo sabría nombrar un par de  títulos de revistas de comics actuales, no podría llegar a decir el nombre de 10 arquitectos (actuales) y probablemente no sabría diferenciar ni nombrar ningún estilo o corriente de la pintura asiática (ni actual ni antigua). Conclusión: yo también soy  de la masa ¿y qué?

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[1] RAGUÉ ARIAS, Mª José.  Los movimientos pop. Salvat Editores, S.A. Barcelona,  1973.

El Melólogo de Carbonell

Ansiosa porque lleguen las 8:30 y se abra el telón del escenario del Teatro Jovellanos....  El cartel anuncia un melólogo interpretado por el humorista, actor y cantante Pablo Carbonell titulado "Melólogo. El poeta escribiendo un monólogo".  Sólo con el título me invaden numerosos recuerdos acontecidos hace un año, de los que no voy a hablar pero...ahí están.

El melólogo es un subgénero teatral de 1 sola persona con acompañamiento musical.  No se canta y la música  sirve para subrayar los pasajes culminantes o emotivos  y también de transición entre un pasaje del monólogo y otro. El invento se debe  a Jean Jacques Rousseau cuyo "Pygmalion" tuvo un gran éxito en el siglo XVIII. 

En España, el nacimiento del melólogo está vinculado a Tomás de Iriarte, dramaturgo neoclásico, traductor, famoso por su fábulas literarias, y también  músico (tocaba el violín y la viola).   De él se dice que instaura el melólogo puro nacional con la obra "Guzmán el Bueno", estrenada en 1790 en Cádiz. Al poco tiempo se estrena en Madrid en el teatro Príncipe, con una introducción a cargo  de Luciano Comella.  A diferencia de Rousseau, los melólogos de Iriarte tienen una estructura musical mucho más elaborada y  "Guzmán el Bueno" está ideado para despertar emociones más complejas que las de "Pygmalion".  En definitiva, con este género Tomás de Iriarte logra un gran éxito (1790) pero tiene la mala fortuna de que  en 1791 se muere.

Al morirse Iriarte, Luciano Comella ve la oportunidad de aprovechar el tirón y  hace un melólogo titulado "Doña Inés de Castro", cuya temática trata de desamores entre Doña Inés y Don Pedro el cruel (Pedro I de Portugal).  Es  un melólogo de dos personajes (característica diferente a los de Iriarte)  y representan sentimientos y pensamientos cuidadosamente seleccionados, en un tiempo y un espacio limitados, durante una crisis de infortunio.   Se habla continuamente de la poca dignidad en el estilo de Comella.  Leandro Fernández de Moratín critica a Comella en La comedia nueva  o el Café.   También se le critica porque se aleja del monólogo puro. En cuanto a la técnica compositiva imita los cambiantes tonos musicales de Iriarte (eso de imitar sigue estando mal visto por los occidentales).  Estos cambios están más dirigidos a agradar al auditorio que a adecuarse al personaje.  La forma de moverse los personajes, as corridas de un lado a otro, los delirios,…. también son muy criticados y por ello hacen una parodia sobre el personaje de Pedro el cruel que pasará a ser “Perico el de los Palotes”. Dicen algunos que de ahí surge el nombre que utilizamos en el argot popular para nombrar a un personaje (o persona) que pasa, de ser temido a ser ridiculizado por bobo y calzonazos. 

En el melólogo de Carbonell no se lo que me voy a encontrar, pero teniendo en cuenta que el espectáculo está enmarcado dentro del Festival  de Música Antigua de Gijón la profesionalidad está garantizada.  Al mismo tiempo Pablo Carbonell es un humorista como la copa de un pino así que auguro grandes dosis de carcajadas ( o por lo menos sarcasmo y humor), aderezadas con buena música a cargo de Aarón Zapico.

Creo que me lo voy a pasar muy bien.

Bienvenido Chucho Valdés

Hace pocos días hablaba de la pianista brasileña  Eliane Elías y su participación en Calle 54.  Hoy me toca hablar de otro protagonista de Calle 54, pero esta vez por motivos  muy diferentes.

Desde ayer los españoles  podemos presumir de contar entre nuestros paisanos con uno de los mejores pianistas del mundo, el gran Chucho Valdés.  Desde el 2006 reside en España  y ayer viernes le ha sido concedida la nacionalidad española.  

En los últimos 3 discos que ha publicado en solitario  (Border-Free, Chucho's Step y El último Trago)  se puede apreciar cierta influencia y un acercamiento a  la música del sur de España y los ritmos del  norte de África, quizá   fruto de su residencia en Málaga.  Además el beneficio de su residencia en España es doble para los aficionados a su música, puesto que, como se puede apreciar en la AGENDA  de su página web, hay varios conciertos en distintas provincias del territorio español para este verano. 

Para los que no lo conozcan Chucho Valdés es uno de los mejores pianistas de latin jazz de todos los tiempos. Como creador, pianista y director de la gran banda “Irakere” ha recorrido más de medio mundo, mostrando sus raíces afrocubanas en los escenarios más prestigiosos. Es hijo del que fue director de la sala “Tropicana” en La Habana durante muchos años hasta su exilio, el recién desaparecido Bebo Valdés y su carrera como pianista en solitario ha sido vertiginosa.  La naturaleza le concedió unas manos muy grandes  (perfectas para interpretaciones de obras de Rachmaninof) y su formación desde la cuna con los mejores maestros le han llevado a convertirse  en uno de los pianistas más respetados de todo el mundo, por su sentido del ritmo, su amor por la música de su tierra, amén de su increíble virtuosismo. 

Ante figuras como Chucho Valdés lo mejor es callarse y escuchar, así que Bienvenido Mr. Valdés.

Eliane Elias en Calle 54

14 años han pasado desde el estreno de Calle 54, un film de  Fernando Trueba  cuyo principal protagonista es la música de jazz en sí misma y que, al contrario que la gran mayoría de las películas, es la imagen la que está subordina a la música. Solo en este aspecto me recuerda a las películas de cine ruso de principios del siglo XX (principalmente Eisenstein), en el que se rodaban escenas para fragmentos musicales previamente concebidos, dándole a la música un protagonismo importante. A priori puede parecer que no hay narrativa en Calle 54 y, por lo tanto, no es una película sino un documental sobre el jazz latino, sin embargo es ambas cosas. Es documental porque sus personajes existen antes y después de la filmación, pero también es película puesto que hay una estructura deliberada por parte del director y hay una presencia musical que queda enmarcada dentro del film y no se puede extrapolar. O sí, pero ya no es la misma música. Basta escuchar cualquier grabación en CD de un mismo tema que ha sido interpretado en Calle 54 y podremos observar que no suena igual, puesto que las circunstancias de la interpretación han variado, por lo tanto esa música queda enmarcada dentro de la película y sólo en ella. 

La calidad de la grabación del sonido es sublime y la elección de los músicos por parte del director es incuestionable. Quizás podían estar otros, pero es innegable que todos los que están se han ganado con creces el podium entre los mejores músicos de latin-jazz. Trueba la define como película-documental cuyo principal protagonista es la música de jazz y concretamente el jazz latino. El propio director nos relata en su libro la importancia de este género y lo que le hace diferente del resto, matizando la idea de que el jazz se ha convertido en “una música para músicos”, pues el jazz fue inicialmente una música popular bailable (Trueba 2000: 10).

Paquito de Rivera y su disco Blowin’ (1981), fue quien provocó la adicción de Fernando Trueba al jazz latino: quizás por ello inicia el film con el saxofonista y su obra “Panamericana”. Además de Paquito de Rivera la película está protagonizada por Eliane Elias, Chano Domínguez, Jerry y Andy González, Michel Camilo, Gato Barbieri, Tito Puente, Chucho Valdés, Chico O’Farrel y su orquesta, Bebo Valdés, Orlando “Puntilla” Ríos y Nueva Generación, y The Fort Apache Band que acompaña a Jerry González con los créditos finales. Entre todos ellos interpretan 13 temas magistrales, algunos escogidos por los propios autores y otros por sugerencia de Fernando Trueba, acompañados cada uno por sus músicos habituales.

Relatado (un poco por encima)  lo que podemos ver en Calle 54 (si es que alguien no la ha visto), me quiero detener en  algo que me ha llamado la atención recientemente ( y eso que la he visto montones de veces, por trozos y entera). La grabación en el estudio con Eliane Elias. A ver si soy capaz de contarlo de manera tan sutil como  conduce las imágenes el propio director. 

   Considerada la primera dama del piano brasileño en el jazz, interpreta para Calle 54 el tema “Samba triste” del compositor Baden Powell.  “Me gustó tanto…, me pareció perfecto para mí”. La filmación, a través de 6 cámaras, se produce en un entorno de luz mucho más cálida que el resto de artistas, diseñado por el director de fotografía, “creando una atmósfera de sutil elegancia e intimidad, donde la música puede fluir a su aire” (Trueba 2000: 17).

La pianista está acompañada por su marido el contrabajista Marc Johnson, que formó parte de la banda de Michel Camilo a finales de los 80, y el batería de origen japonés Satoshi Takeishi, formado en el Berkley College of Music de Boston (Massachusetts). Es presentada por el director como “la elegancia del jazz latino”. La utilización de planos detalle de Eliane por parte de Trueba es constante, pero en esta ocasión no sólo es de sus manos en el piano, o de sus expresiones faciales fruto de una interpretación apasionada (al igual que hace con el resto de artistas), sino que busca resaltar la sensualidad y el erotismo de la pianista a través de movimientos lentos de la cámara que descansan en su boca, pelo, hombros, piernas,... destacando los planos medios laterales donde podemos percibir su perfil y su pecho. Uno de los planos más llamativos es el que se produce justo después del clímax de la improvisación de Eliane, que comienza con un plano detalle sobre el pie descalzo de la pianista (suele actuar descalza), la cámara sube lentamente, dibujando la escultural silueta de la artista hasta encontrarse con sus brazos y por prolongación con sus manos sobre el piano. El director constantemente ralentiza movimientos de la cámara que van desde sus manos, pasando por el pecho y acabando en su cara, que poco tienen que ver con el fluir de la música interpretada por Eliane Elías, produciéndose una relación de contraste entre lo visual y lo musical.

Esta es mi apreciación.

Fuentes:
TRUEBA, Fernando. Calle 54: El libro de la película. Sgae, Ediciones y Publicaciones, Madrid, 2000.

AUTECHRE, la innovación del sonido

Uno de los principales motivos que me llevó a estudiar Musicología (hay muchos otros)   es la posibilidad de adquirir la  suficiente destreza para hablar de  música con objetividad, con conocimiento de causa desde las más profundas raíces  y viendo las aportaciones que se han ido añadiendo a lo largo de los siglos, cuyos elementos están conectados con la historia de la humanidad en sí, es decir, que no surge como algo aislado.  Poder juzgar la música dejando a un lado los juicios pasionales es algo que poco a poco voy consiguiendo, gracias a los conocimientos adquiridos y también a la edad que tengo.  Con 20 años era capaz de debatir con cualquiera si este músico es bueno, malo o este grupo es mejor y peor.  Pero me doy cuenta  de que mi juicio se fundamentaba en la pasión que me provocaba la música. Y cuando hay pasión no hay objetividad. 

   A donde quiero llegar es que, antes, si me gustaba era bueno, si no me gustaba era malo y también había una tercera posibilidad que era "no me gusta pero lo respeto".  Esta tercera posibilidad se asentaba principalmente en la opinión de "los otros", es decir " no me gusta pero fulanito y menganito dicen que son buenos así que para no quedar de ignorante yo digo que sí lo son".  Como he dicho antes poco a poco me voy desprendiendo de esas pasiones y contemplo la música con objetividad.

Y siendo objetiva hablaré de un grupo que no diré "no me gusta" aunque  si puedo decir "no me apasiona", pero ahí están...

 AUTECHRE,  un dúo  formado por Rob Brown y Seath Booth ,  a base de muchos años experimentando con la tecnología y la creación de sonidos a través de sintetizadores, del software más sofisticado  y de la combinación de todos los elementos tecnológicos posibles, se han convertido en un importante referente y una fuente de sonidos, de los cuales otros se sirven.  Y esto es fundamental. 

 Casi ninguna  innovación surge en la música occidental en lo que a intervalos se refiere o a estructuras de la obra.  Algunos dicen que está todo inventado,- esa frase  la oigo desde que tengo uso de razón y,  por aquel tiempo aún  no existían los teléfonos móviles entre otros miles de inventos- pero en la música jamás estará todo inventado, ¿por qué?  Porque, en la medida en que se puede cuantificar  sabemos que las combinaciones, permutaciones y variaciones  posibles  -si no infinitas-  alcanzan unas cifras que nuestros pequeñitos cerebros no son capaces de abarcar.  Pero es que además, en la música no todo es cuantificable,  porque intervienen todos esos factores que pertenecen a la región más espiritual del ser humano.  Me gusta ese tema, ¿por qué?, no sé, simplemente me gusta.  

Desde luego en cuestión de sonidos aún estamos en la adolescencia.  El siglo XX ha dado un salto muy grande, absorbiendo sonidos de la naturaleza, sonidos industriales producidos por máquinas, - para algunos simplemente ruido-, integrándolos al conjunto sonoro   y desarrollando una tecnología capaz de crear nuevos sonidos.  

En el siglo XXI, es  importante distinguir cuándo un sonido es materia prima auténtica o es un refrito extraído de algún otro sitio.  Hoy en día con toda la tecnología que tenemos a nuestro alcance es difícil innovar sonidos, porque estamos atravesando un momento de "saturación del espectro sonoro".  Pero en realidad no es así, siempre aparecen cosas nuevas y siempre hay creadores que van más allá y sirven de referente para los demás. AUTECHRE lo consigue. Los productores y compositores  de grupos y bandas de hip-hop, electrónica, dance, pop, bandas sonoras, etc., lo saben y por ello utilizan sus sonidos y su forma de producir la música como manual de cabecera para inspirarse  y porqué no, también para copiar.   En cuestión de sonidos son grandes pioneros.

http://www.youtube.com/watch?v=gRgTIX4zGk4
http://youtu.be/FLK70Ipe-tI

Músicos suplantados por DJ's

Hace tiempo que lo observo, pero este verano me he fijado detenidamente en la gran incursión que están haciendo los DJ's en todo tipo de espectáculos sonoros,  principalmente en la música de baile, terreno que,  durante muchas décadas ha sido  campo de cultivo de una gran mayoría de músicos que lo utilizan como un medio para sobrevivir económicamente. 

 Pero la cosa ha cambiado. Abro el periódico y veo noticias como: "Hoy gran verbena en la Villa "Manolo", amenizada por el DJ "Pepito";  cena en honor del Señor de Tal con gran baile amenizado por el DJ "Ramonito"; gran espectáculo musical a cargo de los mega importantes DJ's "Josito y Pitito", boda de María y Juan  cuyo baile amenizará el maravilloso DJ "Luisito"; fiestas patronales de San Chindasvinto  con la espectacular actuación  de los DJ's  "Marianito y Miguelito"....etece, etece y etece y eso cada día que abro el periódico, leo noticias en internet o veo la cartelera de espectáculos de cualquier evento.

Y  no dejo de preguntarme ¿Por qué se paga por algo que puede hacer CUALQUIERA? 

No hace falta tener ningún conocimiento especial ni haberse tirado muchas horas estudiando nada de nada.  Cualquier persona que tenga un portátil y un pequeño equipo de sonido  ya puede ser  DJ.  !Ojo! que tampoco hace falta tener un equipo de sonido en propiedad, ya que se puede alquilar para el evento en cuestión.  Además, en los últimos años con la gran cantidad de descargas que se hacen por internet ni siquiera es necesario disponer de una gran discografía.  Todo es "GRATIS". Sólo hay que instalar un programa (que también se puede descargar "gratuitamente") con posibilidad para cambiar de un tema a otro sin cortes. y  santaspascuas, a vivir que son dos días y a sacarse un dineral de manera fácil, sin que hacienda (que somos "todos") tenga constancia de nada. Porque esa es otra, la gran mayoría de los DJ's que participan en eventos medianos y pequeños no declaran absolutamente nada.

En tiempos de crisis supongo que serviría la explicación de "es que tenemos poco presupuesto y son muy baratos", pero eso no es verdad.  Son carísimos,  un DJ actualmente puede cobrar  más pasta que un grupo de 4 ó 5 músicos. ¿Por qué? Porque están de moda, o es una "tendencia", como diría  la revista Cosmopolitan.  Y ya se sabe lo que pasa con las modas y las tendencias,  hay que pagarlas.  

Mientras dure la moda los MÚSICOS,    que   han estado con el trasero pegado a una silla durante miles de horas o  de pie, soportando el peso de un instrumento para poder llegar a tener un mínimo de conocimientos y un mediano dominio de su propio instrumento, se quedan en casita contemplando  cómo en pocas décadas el DJ, (pinchadiscos) ha pasado de ser el tonto y feo del guateque que, como nadie quería bailar con él se dedicaba a poner discos a convertirse en el gran  héroe de la fiesta.  

Sinfonía Asturiana de María Teresa Prieto

Qué grata es la sensación de encontrar una verdadera OBRA DE ARTE con mayúsculas y saber que pertenece a una compositora asturiana. Dicho sea sin ánimo de reivindicar ningún tipo de nacionalismo ni nada que se le parezca, que a una ese tipo de asuntos ni le va ni le viene,  simplemente orgullo de los cercanos, vecinos, compadres, comadres... y al fin y al cabo reivindicar el arte por encima de todo.... Con los tiempos que corren  tropezar con algo así  es cuanto menos alentador. 

Me brotan sentimientos contradictorios;  de alegría por una parte, como ya he dicho antes   y de coraje por otra, por el hecho de saber que esta obra pasa desapercibida y permanece casi en el anonimato,  pero es lo que hay.

Ha sido José Luís Temes, director y ensayista madrileño junto con la Orquesta de Córdoba, el  que nos brinda la oportunidad a todos los asturianos y españoles de descubrir la obra sinfónica de María Teresa Prieto   que,  de momento sólo se nombra en algunos libros y artículos editados para especialistas, melómanos, musicólogos  y "ratas" de biblioteca, (sin ninguna intención peyorativa). La obra fue grabada en el Gran  Teatro de Córdoba, entre el 2005 y 2006 y puesta a la venta en un doble CD que contiene las sinfonías  más importantes  compuestas por María Teresa.  Destaco la Sinfonía Asturiana, compuesta en 1942, la cual es el motivo de mi grata sorpresa, principalmente por la calidad de la orquestación a la hora de seleccionar los instrumentos , por la descripción paisajística que evocan las melodías y nos recuerdan nuestro origen, por la densidad de algunos fragmentos que me conducen a pensar en uno de mis compositores favoritos,  Mahler, por el guiño que hace a las canciones populares y tonadas tradicionales adaptadas a toda una gran obra sinfónica y también, cómo no, por el titulo de la Sinfonía.  Sinfonía Asturiana, ya sólo con el título me hace pensar que es algo mío, algo que "me llena de orgullo y satisfacción".

 Como este blog es una de las pocas vías que tengo  para gritarle a todo el mundo lo que me parece bien y también lo que me parece  mal,  aprovecho la ocasión para reivindicar la figura de esta gran compositora, injustamente anónima.  

Lástima que no hayan subido ninguna grabación en vídeo donde se pueda ver la interpretación de esta magnífica composición, para  satisfacer nuestros hábitos actuales, es decir, según nos lo están contando poder verlo y escucharlo.  Los muy impetuosos podéis escuchar la Sinfonía Asturiana en Spotify, así como el resto de sinfonías que están en el disco,  y los que quieran esperar pueden solicitar el disco, el cual ha sido  distribuido por Diverdi.

!Un placer!

Papiroflexia y Violonchelo

En el siguiente vídeo se puede ver a un hombre que domina totalmente el arte de la papiroflexia, y si además lo hace con los ojos cerrados el resultado es más que sorprendente.  Esa es la finalidad del vídeo, pero  a mi lo que más me llama la atención es el violonchelista.  Es una cuestión de "deformación" profesional porque está en segundo plano, simplemente para rellenar el silencio que se origina de la acción del principal protagonista,  es decir es un mero actor secundario.  

El protagonista del vídeo comienza diciendo "Hola, estamos aquí para daros un ejemplo de creación..." y desde luego lo han conseguido. Me encanta cómo   Rufus Cappadocia, el violonchelista, consigue mediante una improvisación traspasar las limitaciones que se suelen asignar a un instrumento, bien sea por convencionalismos o por tradición. Parece un bajo eléctrico  tocado al estilo de Victor Wooten, Stanley Clark, Tal Wilkenfeld   o el mismísimo  Marcus Miller.  Todo un lujo.

El análisis desde la perspectiva psicológica de Leonard B. Meyer

Uno  de los sistemas de análisis musicales que se han impuesto en el siglo XX es el descrito por el compositor, filósofo y escritor Leonard B. Meyer (1918-2007).  Meyer veía la música como conjuntos de patrones estructurales.  En los años 50 las teorías psicológicas conocidas como la Gestalt tuvieron mucho éxito.  Según estas teorías la emoción se explicaba en términos de resultado de la frustración de expectativas.

Meyer intentaba explicar las emociones que surgen de la música en función de lo que el oyente espera que suceda y lo compara con lo que sucede en realidad.  Estas expectativas estaban determinadas por 2 elementos:
-1º Una serie de normas mediante las cuales un oyente competente interpreta lo que oye (como saber un idioma).
-2º  Los modelos que crea la música cuando se interpreta siguiendo tales normas (algo que comienza y termina en tónica es cerrado y el oyente no espera nada más y si no concluye en tónica si espera algo más).
Por ello Meyer pensó que un método de análisis basado en principios psicológicos generales que comprenden elementos como la apertura o clausura, sería aplicable a cualquier tipo de música.  Es necesario comprender las normas generales,  sólo cuando sepamos las normas estilísticas  seremos capaces de explicar la satisfacción emocional que nos causa una pieza musical desde el punto de vista de su estructura técnica.
Esto tiene dos características:
A) En lugar de tratar el contenido emocional en su totalidad Meyer se limita a la experiencia de unidad y coherencia en música.
B) Meyer se circunscribe básicamente al análisis de música tonal.

Conceptos


Meyer denomina "un movimiento para rellenar un vacío" basándose en que un intervalo disjunto es como un "vacío, implicando que la nota que se ha saltado será tocada a continuación.
"Evento generativo" es lo que llama Meyer a una secuencia, la cual conlleva obligatoriamente una resolución.  Por ejemplo: el giro La- Mib- Re,  continuaría Do- Sib. ¿Por qué? Porque el Sib es la tónica  y por normas estilísticas es el punto de llegada lógico (o psicológico) del modelo.
Otro patrón marcado por Meyer es el retraso del movimiento de respuesta esperado.  Esto comprende la altura y los modelos rítmicos.  Meyer ve una contradicción entre lo que implican las alturas y los ritmos en determinados casos. El resultado de la discrepancia es el "vacío".

Ritmo
En el análisis de Meyer es importante el Ritmo y el estudio del Ritmo es complementario al de las alturas.
Los ritmos se perciben como modelos cuyas unidades básicas consisten en un tiempo fuerte y 1 ó 2 tiempos débiles asociados a él. Las formas de asociación dan lugar a 5 tipos de grupos rítmicos extraídos de la poesía greco-latina, los cuales son la base de todo el análisis rítmico de Meyer.

YAMBO   U -

ANAPESTO U U -

TROQUEO  - U

DÁCTILO  - U U

ANFÍBRACO U - U 

Un grupo rítmico incompleto implica una continuación.  Los grupos completos dan sensación de clausura.

En el Nivel 1 Meyer designa el nivel mínimo en el que la música es divisible en una serie continua de grupos rítmicos.  Si hay que subdividir más se utilizarían letras minúsculas.

El sistema entero está basado en el grupo rítmico  y el grupo rítmico a su vez se basa en la distinción entre tiempo fuerte y tiempo débil. 

Para hacer un análisis rítmico lo primero es determinar tiempos fuertes y después establecer cómo se asocian los débiles a ellos. Lo que diferencia un tiempo débil de uno fuerte es un ACENTO. Éste tiene significado psicológico ya que no se puede definir en función de sus causas.  

Cuando Meyer analiza el ritmo se vale de la acentuación rítmica como un medio de establecer y anotar su reacción a la música en conjunto. 

En el 2º Nivel cada uno de los grupos debe empezar y concluir coincidiendo con alguno de los grupos del primer nivel y no a mitad de ellos. 

Los criterios utilizados para determinar los acentos  y las agrupaciones son los mismos en todos los niveles. 

Según la psicología de la Gestalt la mente interpreta las cosas de la manera más sencilla posible.

Comparación con el sistema de análisis  schenkeriano.

Los dos sistemas intentan averiguar cómo es la estructura en casos concretos. Los dos modelos llegan a las mismas conclusiones. 

El intento de poner por escrito nuestras reacciones ante la música por medio de los símbolos de Meyer implica plantearse constantemente dónde se siente que ha de estar un tiempo fuerte y en relación con qué, lo cual es una ayuda excelente para esclarecer pasajes problemáticos.

El análisis rítmico es  útil como sistema de observación en mayor detalle.  Esto se debe a que la naturaleza de la acentuación cambia al pasar de un primer plano a un plano más profundo. Por lo tanto, el análisis rítmico es más eficaz en los primeros niveles y para los siguientes es más efectivo el schenkeriano.  Para la música atonal es útil el sistema rítmico, sin embargo el schenkeriano no tiene cabida. 

Los dos sistemas son complementarios.  Una reducción schenkeriana esclarece la continuidad armónica de la música a gran escala pero omite los contrastes del primer plano

Las técnicas de Meyer son útiles a la hora de observar los rasgos superficiales, especialmente los contrastes rítmicos. 

El objetivo de cualquier análisis es avanzar más allá de lo obvio para llegar a lo que no lo es, y en esto Schenker ofrece más ventajas, puesto que en la mayoría de los casos  lo obvio son las irregularidades y no lo son en cambio, las razones por las que la música no pierde su coherencia.

COOK, NICHOLAS. El análisis desde la perspectiva psicológica de Leonard Meyer, University of Chicago Press, 1956.

La magia de la verdad y la mentira

Debussy dijo que el arte era el engaño más grande de todos. El arte es un engaño que crea emociones reales, una mentira que crea una verdad y cuando nos dedicamos al engaño se convierte en magia.

Después de visualizar este genial vídeo me queda clarísimo que la magia es la única profesión honesta, un mago promete engañarnos y lo cumple.

Monólogo musical

Un monólogo de Adal Ramones sobre la música y la influencia en los estados de ánimo. Muy bueno!!

Y si gobierna el PP?

Hace un tiempo hablé de Daniel Baremboim en una entrada del blog, e hice especial hincapié en la labor que había hecho el gobierno español para contribuir a la consolidación de la Orquesta West-Eastern Divan, dirigida por Baremboim y formada por músicos de distintas culturas y religiones, principalmente judíos, palestinos y cristianos, con todo lo que ello significa.
El gobierno español, a través de la Junta de Andalucía -creo recordar que así era, porque yo en cuestiones de organismos me pierdo- se comprometía a crear una fundación para llevar a cabo proyectos educativos, cuyo objetivo era el diálogo y la convivencia a través de la música. Bien, la Fundación se consolidó y creó su sede en Sevilla y, desde ese momento hasta hoy ha recibido numerosos premios, -entre ellos el Príncipe de Asturias- elogios y reconocimientos de diversos organismos y entidades internacionales. Por hablar un poco de la orquesta diré que tiene un gran mérito interpretar en un mismo programa obras de autores tan dispares como Wagner - favorito de Hitler y por lo tanto emblema de la música nazi-, seguido de Gustav Mahler -judío por los 4 costados cuyo repertorio fue rescatado tras la II Guerra Mundial para erigirse como bandera de los judíos-. Detalles como este hacían de la West- Eastern Divan una orquesta diferente, ya que la música no entiende ni de ideologías ni de religiones, sólo es música.

Hasta aquí nada nuevo, pero esta mañana leo en el periódico El País que su futuro puede tener los días contados, dependiendo si gobierna el PP o el PSOE. ¿What? ¿? ... El inicio de la gira arranca con la incertidumbre sobre su futura continuidad en Sevilla, ya que el apoyo financiero que recibe de la Junta de Andalucía podría suprimirse si el PP gana las elecciones en la comunidad. "Si el PP llega a gobernar, la Fundación Barenboim-Said no continuará", declaró en enero el portavoz de Cultura del PP en el Parlamento andaluz, Antonio Garrido.... Yo, ignorante en cuestiones relacionadas con la política no salgo de mi asombro. Hasta ahora era algo bueno, sublime y algo de lo que nos podíamos sentir orgullosos. En breve, si gobierna el PP hay que despachar a esta orquesta y destinar ese presupuesto a ¿?

Hace poco me contaba un amigo Venezolano que en su país cuando cambiaba el gobierno cambiaban todos los funcionarios, es decir, correos, administraciones, hasta la mismísima Policía, por lo que la incertidumbre era una constante en la vida de los trabajadores. Parece que aquí en España ( europea hasta la médula, perteneciente al primer mundo y con una SOCIEDAD DE BIENESTAR), algunos colectivos viven con la misma incertidumbre. En esas estamos.

Versiones Parte I

Hacer una versión de un tema que ya ha sido consagrado es un recurso al que muchos artistas o cantantes optan de vez en cuando, sobre todo en la música pop. Varias razones les lleva a ello, puede ser porque estén escasos de repertorio o porque hace tiempo que no tienen ningún éxito y así es más fácil llegar a la audiencia. Puede ser para intentar acceder a un público que hasta ese momento no era afín a su estilo, o también porque es un tema un tanto especial para el intérprete. Puede ser porque la riqueza armónica y melódica de la composición de para mucho más y desate la inspiración de algunos.... El motivo podemos intuirlo pero la realidad sólo la conocen ellos y los que están a su alrededor.

En ocasiones la versión resulta mejor que el tema original y es lógico y comprensible, ya que una vez madurado y masticado es fácil de analizar y ofrecer mejores arreglos, y si además el cantante o el instrumentista está dotado de mejores cualidades técnicas el resultado final resulta más placentero.

He aquí algunos ejemplos de las distintas posibilidades, siempre según mi criterio.

En el siguiente vídeo se puede ver a la cantante argentina soledad Pastorutti mejorar el original de Víctor Manuel.

Sin embargo, hay versiones que nunca debieron llevarse a cabo, como el caso de la versión "Chiquitita" del mítico grupo ABBA hecha por Amaia Montero. Una versión calcada del original, en la que tan sólo se actualizaron los sonidos de los sintetizadores, pero la voz..... Dios mío !qué atrevimiento!. No tengo nada más que comentar de esta versión.

Tampoco tengo mucho que comentar de la edulcorada y descafeinada versión de Britney Spears "I Love Rock'n Roll", original de Joan Jett y The Blackhearts que, sin ser santo de mi devoción, era todo un símbolo de autenticidad.

Una de las composiciones más versioneadas y más "popularizadas" que se han extraído de la música académica es el Adagio Sostenuto del Concierto N.2 de Rachmaninoff. Éste bien podría ser un ejemplo que se ajusta perfectamente a aquello que comentaba al principio de la entrada la riqueza armónica y melódica de la composición de para mucho más y desate la inspiración de algunos... En estos casos los más puristas suelen echarse las manos a la cabeza y excomulgar al osado intérprete que se atreve a hacer semejante operación quirúrgica. Pero todo tiene su lado positivo ¿cuántas personas conocen el Adagio Sostenuto del Concierto N.2 de Rachmaninoff? y ¿cuántas personas conocen "All by my Self" cantado por Celine Dion?

Y ¿qué tal esta versión japonesa de David Bisbal?

QUEEN Jazz

Para que luego digan que la música es cara y me acabo de comprar un disco+libro de los mismísimos Queen y su megadisco Jazz por 8 euritos de nada al lado de mi casa. Luego fisgoneo por internet y veo que se puede comprar incluso a 5 euros, pero así y todo por 8 euros es una ganga.

Jazz se publicó el 10 de noviembre de 1978 en el Reino Unido y consiguió ser disco de oro. La verdad es que no me extraña porque yo cuando lo escuché quedé petrificada. Si ya era adicta a los Queen en sus discos anteriores, con Jazz se consagraron para mi. "Bycicle Race", "Don't Stop Me Now", o el primer tema que abre el disco "Mustapha" me rompieron los esquemas. Un poster que incluyeron en su lanzamiento en el que aparecía gran cantidad de modelos desnudas andando en bicicleta fue todo un escándalo y un éxito de ventas. Hay que reconocer que a principios de los 80 en España aún nos escandalizábamos viendo una teta pero, (cojo aire), un cuarto de siglo después aún parece que sigue siendo impúdico y a las pruebas me remito. Para copiar el siguiente vídeo de youtube he tenido que confirmar que era mayor de 18 años ya que "Se ha aplicado una restricción de edad a este vídeo según las Normas de la Comunidad", cito texto de youtube. No puedo entenderlo, a diario vemos vídeos en los que se mutilan brazos, piernas, gargantas, etc., vemos crímenes, se utilizan imágenes de niños que se mueren de hambre, se puede ver a seres humanos sufrir por múltiples razones y no hay ningún tipo de restricción y este vídeo se etiqueta porque se ven algunas tetas y unos cuantos culos. En fin.

Siguiendo con el disco de Queen me gustaría contar una anécdota que me pasó al ir a comprar el formato vinilo y de paso mostrar mi agradecimiento a los dueños de la tienda de discos. Sería a mediados de los 80 cuando me interesé por este disco que, previamente lo había escuchado en casa de un amigo, pero de comprarlo ni flores, de aquella era estudiante y eso significaba que no tenía un duro. Total que cuando conseguí ahorrar lo suficiente me dirigí a la tienda de discos para comprarlo. Como no lo tenían me lo encargaron pero, tras esperar 10 días por él me dijeron que estaban agotados hasta en la discográfica debido al enorme éxito de ventas. Los majísimos vendedores, viendo mi frustración, se comprometieron a encontrarme un disco a través de un amigo suyo, que tenía una tienda de discos en Argentina y además, para rematar el favor, me grabaron a cinta de cassette el disco de su propia colección para que pudiera escucharlo mientras recibía el mío y tan sólo me cobraron lo que costaba la cinta de cassette virgen. El vinilo me llegó a las 3 semanas y forma parte de mis tesoros.

!!Larga vida a Queen!!

Cabeceras de Informativos

Llevar a cabo la creación de la música para la cabecera de un informativo es un trabajo que exige mucho conocimiento y precisión. Tiene que tener unas características muy determinadas puesto que es algo muy breve, tan sólo dura unos segundos; al mismo tiempo se emite todos los días y por lo tanto no debe cansar, pero no por ello tiene que dejar de ser pegadizo, puesto que es necesaria una rápida identificación por parte del oyente al instante de escucharla; también tiene que ser aceptada por una público mayoritario; tiene que ser una música dinámica, con un tempo ágil, pero sin excesos.... y un sinfín de peculiaridades que hacen que la música utilizada para las cabeceras de los informativos sea un estilo por sí mismo.

A pesar de ser una cuestión compleja parece que se acertó con la fórmula ya desde hace unos cuantos años, al incluir la banda sonora de Blade Runner en Informe Semanal, el mítico programa de los sábados por la noche. Desde ese momento ha habido grandes avances, principalmente por el desarrollo tecnológico de los samplers y en general de la informática musical. Pero, ¿puede ser?, que se ha tocado techo y que la creatividad se ha estancado puesto que la misma fórmula se repite desde hace algún tiempo.

He encontrado un vídeo en youtube, el cual resume las cabeceras de informativos actuales de varios canales en España. Vistos así uno tras otro me quedo con la sensación de ! Ay Dios, qué poco originales!. Son todos básicamente iguales, el mismo ritmo, el mismo tempo, con subdivisiones o múltiplos de 60 ( 60 segundos tiene un minuto), misma estructura, hasta las notas son prácticamente iguales. Por ello he llegado a pensar: "será que las ha hecho todas la misma productora", la respuesta es no, están hechas por distintas productoras.

En fin, estaré atenta tras las próximas elecciones democráticas -que es cuando suelen cambiar el formato- para ver si hay posibilidad de algún avance musical.

Bien, parece que el enlace está roto o se ha suprimido el vídeo, una lástima porque alguien se había molestado en enlazar casi todas las cabeceras de informativos españoles, así que pondré varios vídeos para argumentar lo dicho anteriormente.

Se parecen todas ¿verdad?

En el siguiente vídeo (genial) se puede ver una recopilación desde 1965 hasta 1990. Es como una síntesis de la historia de la música. En los 60 y 70 suena con toques de Rock sinfónico progresivo, tan de moda en aquellos años. Ya en los 80, el predominio de las baterías electrónicas y los sonidos de sintetizadores son evidentes. Un documento interesante.

Y como postre dejo el vídeo de la sintonía del programa "La Clave". Ya lo decían los griegos 500 años a. c. , la música influye en las almas, en los pensamientos y en la conducta humana, por lo tanto es necesario saber música para controlar su influencia. ¿Por qué digo esto? Porque cuando era niña me daba mucho miedo, esta sintonía. !Cosas de la infancia!.

Si todo hiciera CRACK

De todos los grupos musicales que se han gestado en la ciudad de Gijón a lo largo de la historia,(de mi historia) me quedo, sin duda alguna, con el grupo Crack y su disco Si todo hiciera Crack. Finales de los 70, recién estrenada la Constitución Española y con unas ganas locas de volar y de abrirse al mundo, Mento Hevia, Alberto Fontaneda, Manolo Jiménez y Vidal Antón deciden grabar, (y así dejar dejar una huella sonora), un disco que quedaría para la posteridad como uno de los mejores discos de rock sinfónico español de todos los tiempos. Para la grabación contaron con el guitarrista Rafael Rodríguez, la cantante Encarnación González y con el bajista Alex Cabral, que sustituiría a Vidal Antón, pasando éste a encargarse de la producción del sonido.

El disco cuenta con 7 temas compuestos, en su mayoría, por el teclista Mento Hevia y el multiinstrumentista Alberto Fontaneda. Todo un alarde de virtuosismo, armonías complejas e investigación de sonidos con el mellotron y varios sintetizadores de la época.

Me llama la atención los poquísimos asturianos que saben de la existencia de esta verdadera joya, será por aquello que dicen que "nadie es profeta en su tierra". Por ello yo quiero contribuir con mi modesto blog a que alguien más se entere.

El disco no tuvo ningún tipo de éxito comercial, el grupo se disolvió, y cada uno de los componentes se dedicó a otros menesteres. Pero es entendible la situación, hablamos de rock sinfónico- progresivo ¿cuando triunfó algo así en España? !Una lástima!

Para escuchar el disco íntegro podéis entrar en esta página y así disfrutar durante 40 minutos de un mundo sonoro diferente.

En el siguiente vídeo de youtube podemos ver todo un documental audiovisual, en el que se aprecia la calidad musical, así como las dificultades por las que tenía que atravesar un grupo para poder llegar a grabar un disco.

Unos meses antes de la publicación de Crack, se grabaría otro disco muy interesante, dentro de la línea. Se trata del grupo catalán Gotic y su disco "Escenes". Al igual que Crack, se disolvieron tras la publicación del primer disco. !Otra lástima! (y ya van dos).

Más información en: www.crackband.com;

www.dlsi.ua.es;

www.roces30.wordpress.com

Logo Les Paul en Google

Hoy, al abrir el google, nos hemos encontrado con este nuevo logo, interactivo, simpático y sorprendente. Es un homenaje a Lester Williams Polsfull, más conocido como Les Paul, guitarrista de jazz, muy conocido por el desarrollo de las guitarras eléctricas Gibson Les Paul. Aquí se puede leer más información sobre el tema.

Un aplauso para los de google por su estupenda iniciativa.

Cosas de Eurovisión

Por fin!! puedo sentarme tranquilamente y escribir sobre lo que me apetezca. Ya se que voy con retraso pero me da igual, no quiero desperdiciar la ocasión de alabar y criticar algunos detalles que he percibido sobre el Festival de Eurovisión. No me extenderé porque es un festival que se ha desvirtuado tanto que ya "casi" no merece la pena. También se que nadie lo ve, ja, ja, ja,... Nadie lo ve oficialmente pero todo el mundo está al corriente de lo que pasa y yo la primera.

En primer lugar (antes de criticar a España) quiero dejar constancia de un !!temazo!! que, increíblemente no llegó a la final. !Dios mío! Yo me pregunto si es que la gente (me refiero a los que hacen la selección) está sorda, o es que están tan de moda los cantantes "desafinaos" que cuando alguien afina bien les resulta chocante para sus oídos, algo así como el "diabolus in música", pero del siglo XXI. El caso es que no pasó a la final y por lo tanto, no llegó a los oídos de millones de personas que "no" ven eurovisión. Se trata del grupo WITLOOF BAY, compuesto por 6 voces, profesionales como la copa de un pino que cantan a capela, rollo Manhattan Transfer con incursiones de Bittbox. Todo un alarde de calidad, frescura y molto professionale.

Pasen y vean...

Y por fin volvió Italia, después de 13 años ausentes. Yo personalmente les echaba de menos, es de los pocos países que siempre aportan algo interesante. Además este año se superaron con la actuación del cantante y pianista Raphael Gualazzi, del que soy fan desde ese momento.

La canción de Serbia también me gustó, (me recuerda muchísimo al cantante brasileño Ed Motta), muy apropiada para el festival.

El resto de temas que he escuchado, ( me faltaron la mitad) no merece la pena mencionarlos. Eso sí, no puedo dejar de lado a España, cuya representación me parece lamentable. Y no por la actuación de la chica, puesto que ella hizo lo que pudo para defender esa porquería de canción, pero es que no había por donde coger un tema así. Ya les vale a los "seleccionadores" de las canciones, que lo único que les interesa es "colocar la canción de algún amiguito", para chupar derechos de autor, avalados por una televisión pública. !En fin, ye lo que hay!!

Inteligencia Musical

En el siguiente vídeo, realizado por National Geographic, nos adentramos en un fascinante estudio que relaciona la mente con la música. Un brillante reportaje realizado con minuciosidad, de la mano del neurocientífico y músico Daniel J. Levitin y Sting, que no tiene desperdicio.

La última frontera puede no ser el espacio exterior, sino lo más profundo del cerebro humano. Dentro de los surcos de nuestra materia gris hay un misterioso y poderoso universo que define quien somos y como vemos la realidad. recientemente los científicos han descubierto una gran llave que abre muchos secretos del cerebro LA MÚSICA.

Esto ha inspirado a Daniel J. Levitin, pero a pesar de los esfuerzos por resolver el misterio musical, siempre le faltaba algo. La oportunidad de estudiar el cerebro de un maestro musical único y finalmente lo encontró. Se trata de Sting, el cual había leído el libro de Levitín "Tu cerebro y la Música"

La música no existe fuera del cerebro. Una nota comienza cuando las vibraciones viajan por el aire y hacen que el tímpano vibre. Dentro del oído las vibraciones se convierten en impulsos nerviosos que viajan al cerebro en donde se perciben como diferentes elementos de la música tales como el tono y la melodía. cuando se mezclan estos elementos forman un patrón que reconocemos como música, en otras palabras, el cerebro mismo procesa los sonidos que creemos oir en una unidad perceptual que llamamos "música".

Sting piensa en una canción , "So what", y su cuerpo empieza a reaccionar inmediatamente.

Durante casi toda nuestra historia, la música y el baile han sido parte de la misma actividad. Nunca se hizo la distinción que hacemos hoy en día. Actualmente, nos sentamos en un auditorio, cruzamos los brazos y escuchamos en silencio, tal vez nos movemos un poco y esperamos que nadie nos diga que nos estemos quietos. Esto sólo ocurre desde hace algunos cientos de años y sólo en la cultura occidental civilizada.

La música es movimiento para la mayoría de los pueblos del mundo durante gran parte de la historia. El baile consigue hacer visible lo audible. Estudios científicos sugieren que cuanto más respondemos a la música con el movimiento más activamos los circuitos del placer del cerebro, los cuales a su vez estimulan la liberación de dopamina, la llamada hormona del bienestar.

Podemos usar la música como herramienta para lograr un estado emocional en particular. No hay una composición musical que afecte a todas las personas de la misma manera. No es como consultar con el médico especialista en música y que te diga: " estás deprimido, tómate 2 Coltrain". La conexión entre el estado de ánimo y la música empieza pronto. Un bebé se siente satisfecho si lo mecen suavemente y la susurran sonidos tranquilizantes. Las emociones generan movimiento y este por medio de mecanismos de retroalimentación nos hace sentir ciertas emociones.

Independientemente de lo que hagamos o de la música que más nos guste, el cerebro siempre busca placer, pero esto no es tan frívolo como parece.

El placer es la forma que tiene la naturaleza de decirnos que llegamos a un punto de equilibrio. comemos cuando tenemos hambre, nos refrescamos cuando tenemos calor y así sentimos placer. La música es otra forma por medio de la cual el cerebro siente placer.