miércoles, 22 de noviembre de 2017

Nikki Hill: La nueva voz del Rock

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Nikki Hill. Sala Albéniz. Sábado 11 de noviembre.

Soul, rock sureño, blues y Rock and Roll son los estilos en los que se mueve la voz y el ritmo de Nikki Hill. Estilos de música en los que cuesta destacar porque están muy explotados y es difícil aportar algo nuevo.  Pues la voz negra de Nikki Hill destaca y lo hace como pocos, con tan solo dos discos en el mercado. Procedente de Carolina del Norte, parece que le ha cogido el gusto a pisar escenarios españoles, y si el año pasado causó impacto entre el público presente en el concierto de Avilés, esta vez en la sala Albéniz de Gijón dio un paso más y sorprendió a muchos que no habían tenido ocasión de verla en directo. 

Hora y media de concierto en el que la intensidad iba in crescendo, conectando con una sala abarrotada hasta los topes con ganas de cantar, bailar y pasárselo bien. Temas de su último disco “Heavy heart hard Fists”, una selección de versiones de gran peso y algún tema de su primer álbum conformaron el repertorio de la noche, acompañada por dos guitarras, bajo y batería. La tónica más destacada fue el duelo de guitarras al incorporar una guitarrista que competía en inferioridad de condiciones con Matt Hill, marido de la cantante y fundador de la banda. Inferioridad en cuanto a volumen porque en calidad de ejecución se andan a la par. Los dos son muy buenos pero el jefe es el jefe.

En cuanto a Nikki, posee una seductora voz bien afinada, con toques góspel y con una forma de emitir que nos recuerda ligeramente a Tina Turner en sus comienzos. Pero  Hill se dosifica y calienta motores poco a poco, de hecho en la primera parte del concierto estuvo bien –en su línea- pero sin más. La segunda mitad se entregó más a fondo destacando en las canciones de tempo rápido como “Let Me Tell You Bout”. Ya en los últimos temas del concierto consiguió atrapar a la multitud,  interactuando con el público y consiguiendo que la sala en pleno respondiera a sus coros, rajando la voz a tope y desprendiendo energía a raudales.


   Para terminar un bis, con la voz vibrando a fuego y el efectista solo de  guitarra –colocada detrás de la cabeza con mucho postureo- de Matt Hill en “Twistin’ the night away “, de su segundo álbum, logrando que alguna prenda interior volara desde las primeras filas hasta aterrizar en la cabeza del guitarrista. En definitiva, un buen concierto con un público entregado al máximo a una banda bien empastada, que calienta motores hasta llegar a transmitir buenas vibraciones y mucha energía  a ritmo de rock. Nikki Hill gana solidez y se convierte poco a poco en la nueva voz negra del rock.

Mar Norlander - Musicóloga

  

BILL LAURANCE: Un Grammy bien merecido


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BILL LAURANCE GROUP. Festival Jazz Gijón. Teatro Jovellanos, sábado, 11 de noviembre

La programación del Festival Jazz Gijón en la presente edición venía cargada de grandes figuras pero, sin duda, Bill Laurance Group era la más esperada. Hablamos de un grupo liderado por el pianista Bill Laurance que representa a lo más selecto del jazz contemporáneo actualmente, que tiene en su haber un Grammy y numerosos premios avalados por la crítica. Llegó al Teatro Jovellanos y no defraudó.

Composiciones complejas llenas de armonías profusas con acordes abiertos o tensiones encadenadas, continuas modulaciones, virtuosismo, cambios de ritmo en compases de amalgama, amplia paleta de timbres,…  Dicho así puede dar la impresión de que su música está dirigida a oídos demasiado selectos y exigentes. De otro modo, parece música para entendidos, pero no es así.  El nivel musical de este compositor y su grupo es tan alto que logra que parezca fácil toda esa complejidad y, por lo tanto, fácil de escuchar para cualquier público profano en la materia.

Intentar destacar alguna de las diez composiciones que ofreció durante hora y media es ardua tarea. El repertorio traía varios cortes de su último disco “Live at Union Chapel” y algún tema de sus anteriores trabajos, bien en solitario o con el grupo “Snarky Puppy”. Impresionó la versión en directo de “December in New York”, con un aire minimalista que por momentos nos recuerda a pasajes de Ludovico Einaudi fusionado con Pat Metheny y The Bad Plus.  En formato trío también pudimos escuchar  el animado “The Pines”, más tradicional contemporáneo, donde el batería Joshua Blackmore se lució con la compleja polirritmia, creando la base para el virtuosismo del piano y una preciosa melodía de Bill Laurance. Y viajamos al espacio interestelar con composiciones como “Aftersun”, con una base arpegiada que funciona como riff para que Laurance  pueda explorar con su teclado Nord abriendo y cerrando  filtros para modificar el sonido en directo, cambiando al piano eléctrico Rhodes o experimentando con sonidos lead de sintetizadores.  Todo un despliegue de medios que era completado por el batería con la utilización de un Octapad y el bajista Chris Hyson, que fue saltando durante toda la velada entre el contrabajo, el bajo eléctrico y un sintetizador. Del mismo álbum “Aftersun” también pudimos escuchar “Golden Hour” con gran riqueza de matices y colorido instrumental.

Su particular versión del clásico “Cucurrucucu Paloma” terminada en un pianísimo exquisito despertó la sonrisa de los presentes que llenaban la butaca del teatro. Un público que aplaudía cada intervención y disfrutaba de un trío instrumental capaz de fusionar todo lo que podamos imaginar. Bill Laurance Group destaca por creatividad, por calidad técnica y por cuidar al detalle cada sonido, cada timbre y cada matiz. Así lo comprobamos en el Jovellanos. Por ello Bill Laurance recibirá y recibe tantos premios, entre ellos un Grammy como he dicho antes, y bien merecido que lo tiene.

Crítica de Mar Norlander para La Nueva España


Sheila Jordan: Buen jazz por muchos años

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Sheila Jordan. Festival Jazz Gijón.  Teatro Jovellanos, viernes 10 de octubre.

A punto de cumplir ochenta y nueve años, llegó al Festival Jazz Gijón la gran dama del jazz Sheila Jordan. Con una dilatada carrera iniciada en la época dorada del jazz, junto a Charlie Parker, George Russell o Lennie Tristano, y que cuenta entre sus muchos méritos haber sido la primera mujer en grabar con el emblemático sello Blue Note, congregó a un numeroso público dispuesto a disfrutar de la actuación de un mito viviente.

Desde el primer tema el público supo apreciar su calidad, su puesta en escena,  su simpatía y  su energía, dejando claro que la edad no es ningún impedimento para mantenerse encima del escenario haciendo lo que mejor sabe hacer. Para su gira por España, -recordemos que la noche anterior actuó en Madrid y que cumple un calendario como si se tratara de una artista mucho más joven- se acompañó del trío “CCD”, utilizando la primera letra del nombre de los tres componentes: César Latorre (piano), Cord Heineking (contrabajo) y Daniel García Bruno (batería).  Tres músicos como la copa de un pino que manifestaban con sus instrumentos sentirse orgullosos de formar parte de algo tan grande como es acompañar a la mismísima Sheila Jordan. Los arreglos de César Latorre al piano engrandecían cada pieza.

De su repertorio podemos destacar su versión de “Bird Alone”, un precioso tema de Abbey Lincoln tocado al estilo bossa o la manera de improvisar y los arreglos de “Autumn in New York”, para lucimiento del contrabajo. En la mayoría de los temas nos sorprendía con improvisaciones al estilo scat – como lo hacía la gran Ella Fitzgerald- pero, además, Sheila Jordan convierte piezas estándar en canciones divertidas, cambiando las letras y haciendo guiños a personajes e historias que han formado parte de su dilatada vida. El público se lo agradecía con espontáneas carcajadas.  Así ocurrió en “Willow Weep for me”, un tema que formaba parte del repertorio de grandes cantantes del jazz como Billy Holliday o Nina Simone.  También hubo varios momentos de infinito agradecimiento y devoción por Charlie Parker, quien confió en ella en sus inicios al decirle “Chica, tienes un oído de un millón de dólares” y le enseñó a ser ella misma y a expresarse con su propia voz. Dedicatorias, también, para Clint Eastwood por dirigir “Bird” y contribuir a acercar al público ajeno al estilo la figura de Parker, de apodo “Bird” o “Yardbird”.


Sin duda, una noche mágica en la que Sheila Jordan dejó patente que es una grande y se morirá encima de los escenarios.  Esperemos que tarde mucho tiempo y que podamos seguir disfrutando de su buen jazz. 


Crítica de Mar Norlander para La Nueva España 

Isaac Turienzo: “30 años de Jazz”

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 Festival Jazz Gijón 2017.  Teatro Jovellanos, 9 de noviembre, 2017.

El Festival Jazz Gijón inauguró la temporada con el pianista más internacional y más respetado que tenemos en Asturias.  Isaac Turienzo, nacido en Gijón, cumple “30 años de Jazz” y quiso celebrarlo con sus paisanos en el Teatro Jovellanos. Dónde mejor. 

Con aire flamenco inició su primer tema, “Lush Life” de Billy Strayhorn, y lo transformó en bebop pasando por la bossa nova, estilos que fusiona habitualmente en su repertorio.  Todo un espectáculo de virtuosismo y de riqueza armónica en un tema de diez minutos, que supo  dulcificar por momentos  para que al público le diera tiempo a coger aire y exponer sus oídos al siguiente fraseo.  Pero no nos engañemos, Turienzo no se caracteriza por buscar sonoridades consonantes afines a un público mayoritario.  Y se lo agradecemos.  Para eso ya hay muchos otros.
 
Velada de homenajes, comenzando por el flautista Jorge Pardo, un habitual compañero de escenarios, y para ello Turienzo interpretó el precioso tema “De Picos Pardo”, con un estilo menos flamenco que el original y unas improvisaciones más cercanas al bop y al cool jazz.  Homenaje también para el gran Tete Montoliu -que siempre está en su memoria-, ya con Miguel Ángel Chastang (contrabajo) en el escenario, formando un dúo lleno de ricos matices.  El estilo inconfundible de  Thelonious Monk también estuvo presente para lucimiento de Turienzo y Chastang, cómplices de cada sonido y cada fraseo.

El trío al completo, tras la incorporación del batería Fernando Arias,  ofreció un recital  muy variopinto consiguiendo que el tiempo se detuviera para los presentes en el teatro:  la balada de Ivan Lins “Começar de novo”, con la que Turienzo acostumbra a abrir sus recitales, una versión muy especial de “Bésame mucho” a compás ternario o el estándar de origen francés “Autumn Leaves”, con aires renovados por el pianista, comenzando en tempo lento y alcanzando una velocidad vertiginosa donde captamos sonoridades originales.  A estas alturas es difícil escuchar alguna versión novedosa de este tema, pero ahí estaba.  

En los conciertos de Turienzo no puede faltar algún tema tradicional asturiano, y para la ocasión una magnífica versión jazz de “Santa Bárbara bendita”, que lleva con orgullo por los escenarios de todo el mundo. Para cerrar el recital, después de “Caravan” (Duke Ellington) en el que destacó el magnífico solo de batería,  “Balada para Tete”, una genial composición de Turienzo con la que disfruta y exhala admiración por todos los poros hacia el gran Tete Montoliu.

Un gustazo escuchar  la cantidad de registros que ofrece el trío, mostrando calidad técnica, empaste, virtuosismo y amor por lo que hacen.  El público supo recompensar el trabajo y la trayectoria de tres décadas con una gran ovación.



Crítica de Mar Norlander publicada en La Nueva España 

¿Conocemos a Chet Baker?


Homenaje a Chet Baker.  Sala Acapulco del Casino de Asturias. 26 de octubre.

Con un ambiente acogedor, a modo de club de jazz con mesas y sillas distribuidas por la pista de baile -sólo faltó el humo para recrear los grandes clubs de jazz de los años 50’-, se dio cita en la sala Acapulco la primera producción de una serie de conciertos dentro de “El tiempo delicuescente”, un título que hace honor a la novela  “Rayuela” de Julio Cortázar.  En esta ocasión se rinde  homenaje (no confundir con tributo) al gran trompetista de jazz Chet Baker, un músico que abrazó el bebop de la mano de Charlie Parker y se forjó una carrera como figura clave del cool jazz. 

Para profundizar en la música más representativa de la trayectoria jazzística de Chet Baker se seleccionó un repertorio bien estudiado y unos músicos bien escogidos entre los grandes del jazz de la escena asturiana.  El concierto se inició con “I fall in love to easy” en la voz sensual de Jorge Viejo y continuó con “I could happen to you”, destacando la breve improvisación al piano de Jacobo de Miguel. La famosa composición de Cole Porter “Every Time We Say Goodbye”  sirvió de presentación del trompetista Aitor Herrero, con un solo de trompeta correcto caracterizado por su brevedad ceñida a los ocho compases por influencia de Charlie Parker. Él decía que los solos si eran largos era un ensayo y ensayar se hacía en casa. Chet Baker lo aprendió y Aitor Herrero captó el mensaje.

Algún tema instrumental como “Lover Man” y clásicos como “Autumm Leaves” o “Summertime” con un estupendo solo de saxo de Jorge Viejo , fueron interpretados con calidad por los músicos mencionados  junto con Manu Molina a la batería y Javi San Marcos al contrabajo; los dos se encargaron se mantener el tempo y el pulso con precisión.

No faltó “My funy Valentine”, susurrada por  la voz de Jorge Viejo emulando la versión que popularizó Chet Baker al grabarla, primero como versión instrumental y seguidamente cantada por él mismo con tanta fragilidad que se convirtió en una forma estándar de cantarla y quizás su tema más representativo. La genial interpretación de todos los músicos levantó sonoros aplausos. 

Otros grandes temas como “Just Friends” o “Almost Blue” de Elvis Costelo se pudieron escuchar durante hora y media en una velada caracterizada por una buena sonoridad, destacando la técnica y afinación de Jorge Viejo en la voz y sobremanera la interpretación con el piano de cola de Jacobo de Miguel que se lucía en cada fraseo y cada improvisación.  Sin duda un gran concierto que nos dio a conocer al gran Chet Baker y nos despertó la curiosidad por adentrarnos en su particular genialidad jazzística.

Crítica de Mar Norlander publicada en La Nueva España


martes, 24 de octubre de 2017

Andrés Suárez: un cantautor renovado




Andrés Suárez. Teatro de la Laboral, viernes 20 de octubre 
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Andrés Suárez, el cantautor gallego que ha logrado ser número uno en ventas este verano, puede presumir de tener fans muy fieles.  Muchos de ellos  habían sentido cómo sus planes se frustraban al cancelarse la gira a finales de verano por problemas de salud del cantante.  Pero lejos de devolver las entradas esperaron y el concierto, por fin, llegó el viernes al teatro de la Laboral con nuevo repertorio y nueva puesta en escena. 

Comenzó sin micrófono, entonando la primera estrofa de “Walt Disney” de su séptimo y último disco “Desde una ventana” y seguidamente la banda se unió al completo con el sonido amplificado. La presión sonora y la calidad del audio estuvo bastante bien durante todo el concierto, exceptuando la voz del cantante. Y no porque estuviera mal ecualizada o falta de volumen, más bien es un problema de utilizar correctamente las distancias con el micrófono: al emitir mucho y no alejarse lo suficiente sonaba estridente.  Esa fue la tónica en varias canciones. Por lo demás, un concierto impecable con buenos músicos y buenos arreglos que lograron poner al público en pie para entonar temas como “Vuelve”, la cañera “Que levante la mano” o la enigmática “Más de un 36”.

A mitad del concierto tuvo su momento más íntimo -y un tanto lánguido-, en el que el escritor de canciones, como le gusta denominarse,   se queda en el escenario al frente del piano para entonar la balada “Voy a volver a quererte”, acompañado por la melodía del violín de Marino Sáiz, que durante toda la actuación alternó el violín con el piano con gran maestría. A Víctor Manuel le dedicó la triste “Rosa y Manuel” que habla del Alzheimer y cuya melodía es muy del estilo de Silvio Rodríguez. También pudimos disfrutar del tema inédito “Nana de Noemí”, sólo con guitarra y voz, antes de que regresara la banda en pleno para deleitarnos con varias canciones más animadas, destacando  “Apenas te conozco”, con buenos arreglos más progresivos y mucha caña en directo. Lástima que este tema no tuviera un poco más de duración.

Para los bises se bajó del escenario y cantó él solo “Tal vez te acuerdes de mi” y “Si llueve en Sevilla”, poniendo al público en pie con una gran ovación.  Después le siguió el resto de la banda con acústicas en mano  sin amplificar.  Para las primeras filas fue un momento genial, para el resto no tanto porque el recinto es bastante grande y apenas se oía. De nuevo regresaron al escenario  y se lucieron con temas como “El corazón me arde”.

Más de dos horas de concierto en el que pudimos escuchar canciones que hablan de amor y de desamor, principalmente de vivencias de un cantautor que sabe conectar con el público porque lo hace con honestidad y que llegó a Gijón con energías renovadas y ganas de darlo todo.
 Crítica de Mar Norlander publicada en La Nueva España

The Country Side of Harmonica Sam: el Country más auténtico



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The Country Side of Harmonica Sam. Sala Acapulco del Casino de Asturias. Miércoles 18 de octubre.

Pocas veces podemos escuchar auténtica música country en directo. Como ocasión excepcional, la sala Acapulco de Gijón reunió a algunos cientos de aficionados al género para ver a una banda que  durante hora y media consiguieron trasladar al público al mismísimo pueblo de Nashville, cuna del country. Lo curioso de “The Country Side of Harmonica Sam” es que son europeos y para más datos suecos y tocan un country más auténtico que la mayoría de los grupos americanos. Además consiguen vender discos, algo difícil en el género.

Con más de dos décadas de rodaje de cada uno de sus componentes por distintos escenarios, la autenticidad de este grupo había sorprendido con su primer trabajo “Open Letter to the Blues”, editado en 2015. En esta ocasión dan un paso más al grabar “A Drink After Midnight” (2017) y se reafirman como banda que bien pudiera copar los primeros puestos del mismísimo programa radiofónico  “Grand Ole Opry”, referente del género desde  hace casi un siglo e inmortalizado en el cine por Clint Eastwood en la película “Aventurero de Medianoche”, entre otros films.

Con unos minutos de retraso se subieron al escenario los cinco miembros del grupo, ataviados con una estética impecable y dispuestos a desvelar su nuevo trabajo, parte del anterior y algunos clásicos del repertorio country. Quizás, lo más llamativo de la banda es el virtuosismo de Peter Andersson con su instrumento, un pedal steel, que esgrimió contramelodías a la voz solista y solos de gran dificultad.  Sin duda, es un espectáculo ver a este músico tocar. También podemos destacar a  Harmonica Sam, nombre artístico del cantante y líder de la banda, poseedor de ciertas cualidades vocales que le convierten en un standard de la música country: con riqueza de armónicos en los agudos y ese sonido metálico con toques nasales. En general, todos los miembros de la banda son buenos músicos, cada uno en su instrumento. El empaste y las acentuaciones rítmicas del contrabajo de Ulrik Jansson con la batería de Patrik Mamros y los solos de guitarra eléctrica en las cuerdas graves de Johan Bandling Melin, completan el quinteto. De este último también es necesario mencionar los afinadísimos coros en tesitura aguda apoyando a la voz cantante.
Varias parejas se desataron a lo largo de la noche para mostrar sus dotes coreográficas en la pista de baile durante un buen concierto, con buen sonido y un repertorio a base de auténtico country que provocó efusivos aplausos entre los asistentes.


Crítica de Mar Norlander publicada en La Nueva España 

Dos artistas que bailan solas



Marilia Andrés, III Festival de Cortometrajes de Gijón.
Amistades Peligrosas, sala Acapulco del Casino de Asturias. 
Viernes 13 de octubre de 2017.
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La nostalgia de los años noventa llegó a Gijón el viernes  por distintos motivos, atrayendo a dos artistas que en su día coparon las listas de éxitos junto a sus respectivos parteners  y que cada una de ellas intenta abrirse camino, bien en solitario o bien con nuevo acompañante, pero sin dejar atrás su pasado. 

Por un lado Marilia Andrés, la voz grave de aquellas dos chicas que se negaban a ser “mujer florero” y se preguntaban “Cómo repartimos los amigos” tras una separación.  La ex “Ella baila sola” era la estrella invitada al III Festival de Cortometrajes “Con otra mirada”, que tenía su cita en el Ateneo de la Calzada. Con el recinto lleno ofreció un breve concierto en acústico con canciones archiconocidas de su repertorio de “Ella baila sola” y alguna pincelada de su carrera en solitario, incluido algún tema de su nuevo disco “Infinito”.  En cuanto a lo musical nada nuevo y nada que pueda pasar a la posteridad, según mi criterio.  Sin embargo hay una cosa que me encanta de Marilia y es su dicción: articula cada sílaba a la perfección para que se entienda perfectamente cada palabra y eso es de agradecer en los tiempos que corren. 

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La sala Acapulco consiguió reunir a poco más de un centenar de nostálgicos para escuchar grandes éxitos de “Amistades Peligrosas”, aquel dúo formado por Cristina del Valle y Alberto Comesaña que saltaron a la fama por sus letras de denuncia social y su puesta en escena con bailes cargados de erotismo. La asturiana Cristina del Valle conserva el nombre del dúo, conserva sus canciones y  la capacidad para crear nuevas letras punzantes para su nueva andadura, con la colaboración del cantante y compositor Marcos Rodríguez. Los dos, junto con tres músicos acompañantes y un diván en el escenario para escenificar sus números morbosos, consiguieron transmitir a sus incondicionales fans el buen feeling que hay entre ellos y las ganas que tienen de contar cosas nuevas, sin olvidar  los éxitos pasados. También estuvo presente la cantante  Anabel Santiago, que fue la encargada de desenterrar las raíces asturianas y teñir la sala de emoción entonando “Santa Bárbara Bendita” y “Chalaneru”. Las lágrimas se apoderaron de la voz de Cristina y a duras penas era capaz de terminar los versos del “Chalaneru”. 

Puede que no siempre hagan buenas canciones o que los arreglos musicales y la instrumentación no estén a la altura de las letras, como ocurrió en este concierto, sin embargo Cristina del Valle es una mujer muy comprometida con los problemas sociales, entrañable, cercana y con un discurso encima del escenario que hace que merezca la pena seguir su trayectoria, bien sea acompañada o bien sea bailando sola.

Crítica de Mar Norlander publicada en La Nueva España

"Vínculos", un gran proyecto de la OCAS



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Orquesta de Cámara de Siero, Kamy Rapstyle, Rafa Kas, Rodrigo Cuevas y Bombai. Teatro de la Laboral, domingo 8 de octubre.

Sin duda falló la promoción del evento porque el motivo y la calidad artística era más que suficiente para haber abarrotado el Teatro de la Laboral  y haber agotado las entradas, pero se quedó en poco más de media butaca. El motivo se denomina “Vínculos”, un proyecto que lleva a cabo la Orquesta de Cámara de Siero (OCAS) desde hace algunos años, apostando por la integración social y cultural a través de la música.  La calidad artística corría a cargo de la propia OCAS que, dispuestos a recaudar fondos para poder darle continuidad a su proyecto, reunieron en el escenario a diferentes artistas con diferentes propuestas.

Manuel Paz, director de la OCAS, desgranó el significado de “Vínculos” e inició el concierto, batuta en mano, con una versión de “Haiyu” un tema de la escritora y compositora Mariem Hassan, que se ha convertido en todo un himno para la cultura saharaui, lugar de procedencia de Hassan. Una bonita versión sinfónica que supo captar la esencia del tema árabe y fusionarla con armonías occidentales. Kamy Rapstyle, también de origen saharaui, puso el toque rap a la velada presentando “He vuelto” y “Querida abuela”, dos temas en los que Kamy recitaba sus versos apoyados sobre una base pop orquestada por la OCAS. Sin duda una fusión interesante. 

La colaboración del guitarrista Rafa Kas puso el toque rock a la velada, desplegando su arsenal de pedales y distorsiones para ofrecernos una composición propia con aires de “Queen” y “Beatles” titulada “El mar”. Un buen tema en versión sinfónica en el que, además de la OCAS participaron músicos de la talla de Antón Ceballos (bajo) y Samuel Rodríguez (piano). La interpretación del famoso “Kashmir” de Led Zeppelin desató una gran ovación entre el público al ver a una joven orquesta disfrutar y medir con precisión cada melodía, amén de la voz de Rafa Kas, pues no es tarea fácil emular al mismísimo Robert Plant, sin embargo resolvió con nota.  

El controvertido Rodrigo Cuevas fue el encargado de poner al público a “perrear” y a hacer “twerking”, después de corear “Déxame subir al carru”. Sin duda el momento más festivo de la velada. Pero Rodrigo Cuevas es algo más que un artista divertido porque sabe sacar la esencia de cada estilo que aborda y darle una vuelta más transgresora. Así lo demostró con su interpretación de “El día que nací yo”, copla de Quintero, Guillén y Mostazo compuesta para la gran Imperio Argentina. Cuevas, ataviado con madreñas y mantilla, demostró que está dotado de una gran voz y que la puesta en escena no tiene porqué ceñirse al dramatismo habitual de las folklóricas. Hay otras maneras de interpretar. Y es que Rodrigo Cuevas es mucho más que un artista que se sube al escenario con liguero y madreñas. 

Para cerrar la velada el grupo de moda “Bombai”, cuyo estilo ellos mismos lo definen como “Beach-pop”, interpretando tres temas, entre ellos el famoso “Solo si es contigo”, propuesta para ser la mejor canción pop de este año. Sin duda, una gran velada que conlleva un gran esfuerzo de medios técnicos, artísticos y humanos para poner en marcha toda esta amalgama de colores sonoros sin que nada falle y cuyo objetivo es bien noble. Pues bien, nada falló, excepto la asistencia del público, pero los presentes supimos valorar ese gran esfuerzo y ese proyecto llamado “Vínculos”, brindando a la OCAS y a sus artistas invitados una gran ovación todos en pie. 

Crítica de Mar Norlander publicada en La Nueva España